Odes, elegias e outras baboseiras

Dandy Daho

2009-10-19T08:07:00.000-07:00

Étienne Daho acaba de lançar um CD e DVD duplo do show que fez em 3 de dezembro de 2008 na Salle Pleyel, em Paris, trabalho que certamente é uma ótima introdução ao universo deste cantor e compositor, sem dúvida um dos mais importantes da chanson française dos últimos trinta anos.

Nascido em Oran, na Argélia, em 1956, Étienne Daho iniciou sua carreira no fim dos anos 1970 e fez parte da cena rock da cidade de Rennes que naquela época trouxe aos palcos franceses muitos artistas importantes, entre os quais Elli Medeiros, Jacno e as bandas Stinky Toys e Marquis de Sade (veja a respeito deste último grupo a matéria postada neste blog: http://metreno.blogspot.com/2009/04/play-it-again-sam-marquis-de-sade.html).

Após o primeiro disco, Mythomane (1981), produzido por Jacno, Daho logo conhece o sucesso com os discos La Notte, la notte (1984), que traz o sucesso “Week-end à Rome”, até hoje referência do estilo electro/new wave francês, Pop Satori (1986) com produção, entre outros, de William Orbit, e Pour nos vies martiennes (1988), com o qual Daho estende seu sucesso a outros países, entre os quais a Inglaterra, apresentando-se no lendário Marquee e trabalhando com diversos artistas, como Chris Isaak.

Paris ailleurs (1991) o consagra definitivamente como um dos artistas franceses de maior importância, com nada menos que 5 músicas lançadas em single, entre as quais, “Saudade” e “Comme un igloo”. Segue-se uma turnê por 14 países que fortalece o sucesso internacional do cantor.

Após Reserection (1995), EP escrito e gravado com a banda inglesa Saint Etienne e que traz o sucesso “Jungle Pulse”, Daho lança Eden (1996), que, apesar de não ter sido bem recebido por parte do público, sem dúvida é um dos seus trabalhos mais ambiciosos e pessoais, notadamente com a participação de Astrud Gilberto na faixa “Les bords de Seine” e dos Swingle Singers.

A partir daí, Daho vai desenvolver uma parceria muito bem-sucedida com a dupla Les Valentins, com a qual lança três ótimos discos, Corps et armes (2000), Réévolution (2003), que conta com a participação de Charlotte Gainsbourg e Marianne Faithfull, e L’invitation (2006), este último acompanhado do EP Be My Guest Tonight, de 5 faixas, entre as quais uma ótima regravação de “Cirrus Minor”, do Pink Floyd.

Considerado um ícone da cena pop francesa, Daho tem um universo musical de várias facetas, desde o Velvet Underground até Serge Gainsbourg, ou ainda os Beach Boys ou David Bowie. Ele costuma também desenvolver parcerias, tendo assim trabalhado com Françoise Hardy, Jane Birkin, Vanessa Paradis, Sylvie Vartan, Coralie Clément, Alain Bashung ou a banda Air.

Em 2008 é lançado o songbook Tombés pour Daho, em que vários artistas interpretam suas canções, entre os quais Benjamin Biolay, Sébastien Tellier, a dupla Ginger Ale e Sébastien Schuller.

É possível encontrar no Brasil, importados, alguns dos CDs de Daho, e vale lembrar que sua gravação da música de Edith Piaf “Mon manège à moi” acabou sendo sucesso aqui como parte da trilha sonora da telenovela Paraíso tropical (2007), em que era o tema de Bebel (Camila Pitanga) e Olavo (Wagner Moura).

Daho Pleyel Paris (2009) traz o DVD e CD do show, com participação de Marianne Faithfull, Jane Birkin, Charlotte Gainsbourg, Camille e Katerine, além de um DVD repleto de extras sobre a carreira do artista e a ultima turnê.

Concomitantemente, a Fnac da França deu carta branca ao cantor, que, por meio de uma coletânea, apresenta artistas atuais de seu gosto, entre os quais Peter Doherty e as bandas Au Revoir Simone, The Last Shadows Puppets e Phoenix, provando assim que Daho continua antenado na cena rock e pop internacional, principalmente inglesa.

Maiores informações estão disponíveis no site www.etiennedaho.com e na página http://www.myspace.com/etiennedaho.

Os “facebookers” podem acessar e se cadastrar no http://www.facebook.com/EtienneDaho

A volta das cocotes

2009-10-08T15:47:00.000-07:00

As cocotes estão de volta. Não as mulheres mundanas da passagem entre os séculos 19 e 20, que inspiraram tantos autores, como Émile Zola e Marcel Proust, mas as cocottes, que em francês são “panelas de barro” ou “de ferro fundido” em que se preparam pratos tradicionais, geralmente refogados com amor e paciência.

E as cocottes se modernizaram tornando-se mignonnes, ou seja, de tamanho individual para que cada um possa saborear uma comida caseira, refogada, quentinha dentro de uma panelinha com tampa. Depois da moda das verrines (pequenos copos individuais para servir caldos e entradas frias ou quentes), e as "colheres para degustação", as cocottes são a nova tendência de uma culinária francesa que quer resgatar gostos tradicionais e adaptá-los à modernidade.

Nada mais chique e ao mesmo tempo aconchegante que usar essas panelinhas individuais para apresentar os mais tradicionais refogados. Porque a comida refogada é a base da culinária de muitos países, e sempre remete a lembranças da infância, da comida maternal, da tradição. Ou seja, de repente essas cocottes têm certo efeito terapêutico, como um certo gosto de revivescência na nossa época, em que tudo tem de ser trend, brand, espumoso e diferente. Em que nosso olfato e paladar, antes de tudo, têm de entender o que é hype e digerir sem arrotos qualquer nova tendência.

Nessas horas, a cocotte é absolutamente freudiana, emocionalmente apaziguadora e muito bonita. Porque essa mundana se tornou fashion, adotando novas linhas e cores, mas com respeito às regras básicas do bem-estar, formas redondas, alças para agarrar e tampa para manter tudo quente. Toque sensual, quase sexy, melhor ainda que um programa da Nigela Lawson.

E ao falar nas cocottes, não posso omitir o restaurante do mesmo nome de Christian Constant, situado no 133 rue Saint Dominique, em Paris, e em que todos os pratos são servidos nessas panelinhas ou em verrines. Christian Constant foi chef do restaurante Les Ambassadeurs do hotel Crillon, em Paris, antes de abrir seu próprio negócio. Hoje, Christian Constant tem três endereços: Les Cocottes, Le Violon d'Ingres e o Café Constant, todos situados na rue Saint Dominique.

Tive a oportunidade de almoçar no Violon d'Ingres, em que não experimentei as famosas cocottes, mas pratos bem interessantes, embora eu tenha ficado um pouco decepcionado com o ambiente um tanto frio e o ris de veau que achei um pouco convencional e malpassado demais para o meu gosto. Mas, pelo menos, tive o prazer de dividir o espaço com ninguém menos que Charles Aznavour...

Pois é, parece até comentário de cocote... Para mostrar o quanto voltaram à moda!

Linda flor de Cabo Verde

2009-10-06T10:51:00.000-07:00

A cantora Mayra Andrade acaba de lançar seu segundo CD, intitulado Stória, stória…, gravado em Paris, Havana e Rio de Janeiro, produzido por Alê Siqueira, em que retoma com muito êxito o coquetel de ritmos típicos de Cabo Verde, com influências da musica africana, brasileira, cubana e do jazz.

Nascida em Cuba, Mayra passou sua infância em São Tiago, no arquipélago de Cabo Verde, mas também em Angola, no Senegal e na Alemanha. Hoje é radicada em Paris e conhece um sucesso cada vez maior junto ao publico francês, que a descobriu graças ao primeiro CD, Navega (2006), e ao sucesso "Comme s'il en pleuvait". Ela também está obtendo grande sucesso em Portugal, onde se apresenta com muita frequência.

Para o novo trabalho, Mayra compôs três canções e chamou alguns dos melhores compositores de Cabo Verde para criar um excelente repertório, em que se encontram os ritmos tão marcantes daquele país (morna, coladeira, bandeira). De novo, o disco oferece uma série de musicas marcantes, ao mesmo tempo ritmadas e melancólicas, sorridentes e emocionantes, entre as quais se destacam as lindas "Tchápu na bandera", "Stória, stória…", "Mon Carrousel", com gracioso arranjo de acordeão, ou a delicada e tocante "Morena, menina linda", cuja orquestração, de Jaques Morelenbaum, é extremamente emocionante e se adéqua perfeitamente à delicadeza da letra sobre o amor. Outro destaque é a canção "Palavra", com judiciosa letra do cabo-verdiano Mário Lúcio Sousa. Além de Morelenbaum, o disco contou também com a participação do pianista cubano Roberto Fonseca e da acordeonista portuguesa Celina da Piedade.

E todo o bem que se pode pensar ao escutar os discos de Mayra Andrade acabou de se confirmar no show arrebatador que ela deu no ultimo dia 2 de outubro, em La Cigalle, Paris, em que durante 1h30 a cantora conquistou o público parisiense que veio em massa para aplaudi-la. Simpática, carismática e com ótimos músicos, entre os quais o incrível baixista camaronês Etienne Mbappé e o talentoso baterista Luiz Augusto Cavani, Mayra Andrade fez um show absolutamente perfeito, ritmado e emocionante, em que provou ser dona de uma voz ao mesmo tempo poderosa e suave. A linda participação da cantora Yael Naim foi mais uma bela surpresa nessa maravilhosa apresentação.

Mayra, que está em turnê para o lançamento do disco, já se apresentou no Brasil, no Sesc Pompeia de São Paulo, em 2007, e no Rio de Janeiro, no último mês de agosto, dentro do Festival Black2black. Resta torcer agora para que ela volte logo aos palcos brasileiros com maior divulgação.

O site muito completo da cantora, em três línguas (francês, inglês, português), permite ouvir trechos de todas as músicas do novo disco: http://www.mayra-andrade.com/

Vários vídeos estão disponíveis no YouTube, inclusive clipes e trechos do show da Cigalle, entre os quais a arrepiante interpretação de "Lua", com solo de baixo de Etienne Mbappé http://www.youtube.com/watch?v=og-4E345s6o&feature=related

A Star is back

2009-10-01T12:41:00.000-07:00

É sempre bom rever amigos, principalmente aqueles que já nos trouxeram muitas emoções, nos quais pensamos com muito carinho, com ternura, mas que acabamos perdendo de vista por causa dos acontecimentos da vida, porque mudamos de rumo, ou porque eles seguiram outro caminho. Ou, simplesmente, porque não era o momento, não havia mais sintonia. Wrong people at the wrong place.

Tive isso com a Barbra Streisand, que amei quando a descobri, no começo dos anos 1980; que me impressionou quando acompanhei seu percurso artístico, ou sua volta aos palcos; com a qual me diverti com Funny Girl (1968) ou On a Clear Day You Can See Forever (Num dia claro de verão, 1970), e que me emocionou com Yentl (1983).

Acontece que nos dez últimos anos não senti a mesma sintonia. Achei os discos fracos (como Holly Ground e seu assustador dueto com Celine Dion!), e Barbra teve poucos destaques, a não ser a hilária participação no filme Meet the Fockers (Entrando numa fria maior ainda, 2004), em que fazia um ótimo par com Dustin Hoffman.

E, de repente, Barbra volta a me surpreender e me emocionar com seu novo trabalho, intitulado Love is the Answer. A proposta é tão simples que se torna inovadora. Gravar standards com Diana Krall e seu quarteto, e arranjos orquestrais de Johnny Mandel.

Parece óbvio, mas não é! Porque, ao ir procurar a nova musa do jazz americano, talvez a que hoje mais saiba unir mainstream com classe, Barbra de repente está resgatando o que perdera há algum tempo: uma suavidade sem afetação, o bom gosto que lhe é inato... Aquilo que foi a sua marca durante os anos 1960 e 1970, mas que nem sempre apareceu nos trabalhos das duas últimas décadas...

Love is the Answer é joia rara. É um disco sobre o amor e a delicadeza, com refinamento e sutileza. O quarteto de Diana Krall tece o mais perfeito leito para um finíssimo repertório, em que se encontram pérolas como "Here's to Life", "In the Wee Small Hours of the Morning", ou ainda "You Must Believe in Spring". A música brasileira está presente com a linda gravação de "Love Dance" de Ivan Lins ou com citações da Bossa Nova e Jobim, como em "Gentle Rain", que remetem ao disco Quiet Nights que Diana Krall lançou recentemente. O único deslize, a meu ver, é a descartável gravação de "Smoke Gets in your Eyes", cujo arranjo tem algo grandiloquente que destoa do resto do trabalho.

O disco foi lançado em duas edições: a "normal", com 13 faixas, e a "Deluxe", com um segundo CD que oferece nove gravações apenas com o quarteto de Diana Krall, entre as quais uma lindíssima interpretação de "Where do you Start".

Além desse lindo trabalho, Barbra Streisand decidiu se apresentar com um quarteto no mítico Village Vanguard de Nova York, em que não cantava desde 1962. O show aconteceu no último dia 26 de setembro, para um público de 100 pessoas, entre fãs sorteados por meio do site da artista e alguns VIPs, como o casal Clinton, Sarah Jessica Parker e Nicole Kidman.

Todas as informações relativas ao novo CD se encontram no site de Barbra: www.barbrastreisand.com

O mesmo site tem um link para o show do Village Vanguard, com vários vídeos: http://www.barbrastreisand.com/us/village-vanguard-2009

Tiffany em Paris

2009-09-28T11:52:00.000-07:00

O Musée du Luxembourg, em Paris, recebe até 17 de janeiro de 2010 a primeira exposição monográfica de Louis Comfort Tiffany (1848-1933) na Europa.

Filho do empresário Charles Lewis Tiffany, fundador da famosa empresa Tiffany & Co., Louis Comfort Tiffany foi um artista cuja importância é cada vez mais reconhecida, justificando assim plenamente a realização dessa mostra.

A exposição aborda a carreira do artista não somente de um ponto de vista cronológico, mas também temático, com ênfase nos maravilhosos vitrais concebidos por Tiffany e o fascínio que ele tinha pela natureza, a representação de temas vegetais, animais, mas também pelo aspecto religioso. A sua inacreditável criatividade, junto a uma ousadia técnica sempre renovada, faz deste artista um dos mais importantes na virada do século 20, em movimentos artísticos como o Art Nouveau ou o Simbolismo.

Inspirando-se de início em temas orientais, Tiffany vai ao longo de sua carreira desenvolver o gosto pelo exotismo e as inovações tecnológicas. Assim, ele soube utilizar a chegada de eletricidade para criar maravilhosas luminárias inspiradas na natureza, e em que a luz se torna elemento preponderante para que cores e temas pareçam orgânicos, ou seja, vivos.

Tiffany foi um dos artistas americanos mais importantes do começo do século 20, com talento reconhecido e premiado, notadamente na Exposição Universal de 1900, em Paris, e seu legado se estende não apenas à realização de vitrais, mas também de pinturas, joias ou cerâmicas.

Tiffany também foi empresário, tendo criado desde o fim do século 19 a Stourbridge Glass Company, que empregou vários artistas responsáveis pela realização das obras concebidas por ele, e realizou muitos trabalhos de encomenda para magnatas ou estadistas.

E manteve por toda a vida estreitas relações com a Tiffany Company, da qual se tornou diretor artístico depois da morte de seu pai, em 1902.

Por fim, dedicou muito tempo e esforços à construção de sua mansão, Laurelton Hall in Oyster Bay, Long Island (NY), de mais de 240.000 m2 e 84 cômodos, que infelizmente, após ter sido doada à sua fundação para estudantes de artes, e vendida em 1949, acabou sendo destruída por um incêndio em 1957.

Por todos esses motivos, a exposição L. C. Tiffany – Couleurs et Lumière do Musée do Luxembourg é algo incontornável para quem estiver visitando a capital francesa até o próximo mês de janeiro.

Maiores informações podem ser encontradas no site http://www.museeduluxembourg.fr/

As filhas de Kate

2009-09-23T14:13:00.000-07:00

A hoje sumida Kate Bush, egéria dos anos 1980, continua presente na voz de novas artistas que não escondem nos seus trabalhos o quanto a obra dessa cantora foi e permanece importante e atual.

A cantora francesa Émilie Simon acaba de lançar o CD The Big Machine, que remete diretamente ao trabalho de Kate Bush. Já no terceiro disco da carreira, Émilie Simon ficou conhecida pelo sucesso da canção "Desert", do CD de estreia, que foi remixada por vários artistas e DJs, entre os quais Thievery Corporation. Ela ficou ainda mais conhecida internacionalmente por ter composto a trilha sonora original do filme A marcha dos pinguins, grande sucesso internacional que lhe rendeu vários prêmios.

Hoje radicada em Nova York, Émilie Simon mostra com The Big Machine uma verdadeira maturidade artística. Sua voz remete imediatamente ao estilo tão peculiar de Kate Bush, assim como certa complexidade musical e um inegável senso de melodia. Contudo, a própria Émilie Simon ainda cita Laurie Anderson, outra figura marcante dos anos 1980, e a cena nova-yorkina da mesma época como fontes principais de inspiração deste novo trabalho.

Com o engenheiro de som Mark Plati (que já trabalhou com David Bowie) e a participação dos artistas Kelly Pratt (Arcade Fire) e John Natchez (Beirut), além da utilização de surpreendentes recursos como instrumentos tradicionais chineses, Émilie mostra toda a diversidade e riqueza de seu talento, fazendo com que The Big Machine seja desde já um dos discos mais marcantes deste ano.

Marina Diamandis, por sua vez, está ainda no começo de uma carreira que parece ser bem promissora. Esta cantora galesa, que assina seu trabalho sob o nome Marina and The Diamonds, acaba de lançar um EP intitulado The Crown Jewels, com três ótimos títulos, entre os quais a irresistível canção "I am not a Robot", que tem cara de hit instantâneo. De novo, a influência de Kate Bush e também de Björk são onipresentes nas composições e no canto de Marina, cujo primeiro CD deve ser lançado em breve.

O site de Émilie Simon http://www.myspace.com/emiliesimonmusic permite ouvir alguns títulos da artista, e o clipe da canção "Dreamland" no YouTube é imperdível http://www.youtube.com/watch?v=-tq1KmWW_n4&feature=fvsr

Da mesma forma, as músicas de Marina and The Diamonds podem ser descobertas no site http://www.myspace.com/marinaandthediamonds

Giovani cantanti

2009-09-11T08:49:00.000-07:00

Boas notícias musicais chegaram recentemente da Itália, que continua produzindo talentosos artistas, ainda pouco conhecidos aqui.

A cantora de jazz Roberta Gambarini, que infelizmente teve que cancelar sua participação no Tim Festival de 2007 por motivos de saúde, acaba de lançar um lindo trabalho intitulado So in Love, no qual ela confirma ser umas das artistas mais promissoras da nova geração.

Originária de Turim, Roberta Gambarini vem conquistando um merecido sucesso internacional desde seu CD de estreia, Easy to Love (2006), indicado ao Grammy de 2007 na categoria Melhor Album Vocal de Jazz. You Are There, de 2008, que tem notadamente a participação do pianista Hank Jones, confirmou as expectativas geradas pelo primeiro trabalho.

So in Love conta com músicos tão prestigiosos quanto James Moody, Roy Hargrove, Tamir Hendelman para servir um repertório em que Roberta Gambarini brilha ao interpretar clássicos do jazz como “Get out of Town”, “From this Moment on” ou “You Must Believe in Spring”, mas também canções dos Beatles, “Golden Slumbers” e “Here, There and Everywhere”, ou ainda o sucesso italiano “Estate”. Destacam-se a belíssima gravação de “Crazy”, sucesso na voz de Patsy Cline, e o medley da trilha do filme Cinema Paradiso.

Se Roberta Gambarini ainda não teve a oportunidade de tecer laços musicais com o Brasil, isso não é definitivamente o caso de Rosália de Souza. Nascida em Nilópolis (RJ), Rosália está radicada na Itália desde 1989 e acaba de lançar seu terceiro CD, intitulado D’improvviso.

Ainda pouco conhecida no Brasil, Rosália de Souza já tem uma carreira muito bem-sucedida na Europa. Sem dúvida, o encontro com Nicola Conte foi preponderante para a revelação do talento dessa cantora graças ao sucesso do disco Garota moderna (2004), que ele produziu. Embora esse trabalho tenha mergulhado na onda de sucesso da bossa eletrônica naquela época, Rosália soube não se repetir, mudando espertamente o foco musical no segundo trabalho, Brasil precisa balançar (2006), disco essencialmente acústico, gravado no Rio de Janeiro e produzido e arranjado por Roberto Menescal. Nesse ótimo trabalho, Rosália interpreta músicas do próprio Menescal (“Agarradinho”, “Mar amar”), mas também de Tom Jobim (“Vivo sonhando”), Johnny Alf (“O que é amar”), ou ainda “Que bandeira”, de Marcos Valle, que também participou da gravação.

D’improvviso segue o mesmo caminho, propondo um repertório muito bem escolhido e arranjos em que a bossa nova e o samba vão ao encontro do jazz, dando ao disco um swing e uma tonalidade particularmente agradáveis. Obras de compositores renomados – “Banzo” de Marcos Valle, “Carolina Carol Bela” de Jorge Ben, “Cantador” de Dori Caymmi, “Opinião” de Zé Keti, “Sambinha” de César Camargo Mariano ou ainda “Quem quiser encontrar o amor” de Carlos Lyra – convivem harmoniosamente com as composições de jovens artistas como Tomaz di Cunto, compositor paulistano conhecido pelo apelido de Toco, que já tem dois discos lançados e participa de três faixas do disco. Outro achado é a ótima composição “D’improvviso”, de Aldemaro Romero e Terenzi. Enfim, vale ressaltar os excelentes músicos, entre os quais o talentoso trompetista Fabrizio Bosso, que já trabalhou com Phil Woods e Stefano di Battista.

A página oficial de Roberta Gambarini é uma boa opção para descobrir o trabalho dessa cantora:

www.myspace.com/robertagambarini

Da mesma forma, o trabalho de Rosália de Souza pode ser ouvido no endereço www.myspace.com/rosaliadesouzampb

Picadinho oriental

2009-09-06T15:52:00.000-07:00

(Para 4 pessoas)

A culinária oriental tem sabores e perfumes tão sutis e originais que não há por que estranhar seu sucesso internacional.

Apesar disso, todavia, para muitos ocidentais ainda soa estranho trazer esses sabores, ingredientes e temperos para o fogão, e a comida oriental acaba sendo mais consumida aqui em restaurantes ou por meio dos inefáveis deliveries de gosto padronizado (shoyu, shoyu, shoyu!).

Esta receita, fácil de preparar, não requer ingredientes estranhos nem a destreza dos sushimen. É um modo simples de trazer à mesa uma comida diferenciada e com requinte suficiente para surpreender e agradar a todos.

Ingredientes

600 g de lombo suíno
250 g de batata-doce
1 alho-poró
6 cogumelos chineses pretos (ou shiitakes) desidratados
1 galho de salsão com folhas
1 pedaço de 5 cm de gengibre fresco ralado
1 pimenta malagueta picada
1,5 colher (sopa) de shoyu
1,5 colher (sopa) de saquê
150 ml de caldo de galinha
óleo de gergelim
maisena
água

Preparo

Corte o lombo em cubinhos e deixe-os marinar por 30 minutos no shoyu com saquê.

Enquanto isso, reidrate os cogumelos na água morna.

Corte a batata-doce em cubinhos.

Corte a parte branca do alho-poró em rodelas e pique a parte verde.

Pique o galho de salsão e as folhas.

Em uma panela wok ou frigideira doure os pedaços de lombo no óleo de gergelim (em duas ou três vezes para que fiquem bem dourados) e reserve a marinada.

Na mesma frigideira, refogue rapidamente (1 minuto) o alho-poró, o salsão, o gengibre e a pimenta-malagueta. Acrescente os cogumelos e a batata-doce e deixe por mais 2 minutos.

Despeje os legumes refogados em uma panela.

Acrescente o lombo, a marinada e o caldo de galinha, e deixe cozinhar por 20 minutos em fogo muito brando, mexendo de vez em quando.

Dilua a maisena em um copo com um pouco de água e despeje no preparo para que o molho engrosse.

Sirva em seguida, acompanhado de arroz (branco ou basmati).

Maurane – Nougaro ou l’espérance en l'homme

2009-08-26T09:03:00.000-07:00

A cantora Maurane acaba de lançar o disco Nougaro ou l’espérance en l'homme, em que homenageia o cantor e compositor Claude Nougaro.

Claude Nougaro (1929-2004) foi sem dúvida um dos nomes mais importantes da música francesa dos últimos 50 anos. Nascido em uma família de músicos (o pai era cantor lírico e a mãe pianista), ele começou sua carreira no fim dos anos 1950, em parceria com Michel Legrand, e obteve seus primeiros sucessos no meados dos anos 1960, com músicas como “Une petite fille” e “Cécile, ma fille”. Os anos seguintes vão ser marcados pela colaboração de Nougaro com o pianista de jazz Maurice Vander, com o qual trabalhará por toda a sua carreira. Nougaro sempre procurou a excelência musical, o que o levou a colaborar com ótimos músicos nacionais e internacionais, entre os quais, Eddy Louiss, Pierre Michelot, Michel Colombier, Michel Portal, Aldo Romano, Didier Lockwood, Ornette Coleman e, ainda, Marcus Miller.

Nougaro sempre foi notável pela excepcional qualidade de suas letras e pela forma como soube transcender a sempre difícil arte de fazer versões de canções estrangeiras sem deturpar a essência primeira das obras. Assim, além do jazz – Nougaro escreveu letras em francês para obras de Charles Mingus, Thelonious Monk, Wayne Shorter, Louis Armstrong, Dave Brubeck, Sonny Rollins –, outros ritmos tiveram uma influencia inegável na carreira dele: a música africana, principal inspiração do magnífico disco Locomotive d’or (1973), e a música brasileira. Em 1963 Nougaro veio ao Brasil, e então começou uma história de amor com a música popular brasileira. Essa relação o fez escrever lindas versões para o francês de músicas como “Berimbau” (Vinícius de Moraes/Baden Powell), “O que será” (Chico Buarque) e “Viramundo” (Capinan/Gilberto Gil), que se tornaram grandes sucessos na voz do cantor, além de trabalhar com Baden Powell, então radicado na França.

Por sua vez, Maurane, cantora belga, iniciou sua carreira no começo dos anos 1980 ainda sob o nome artístico Claude Maurane. A partir de 1988, com o disco Danser... e principalmente Maurane (1989), começou a conhecer um grande sucesso na França e em vários países francófonos.

Dotada de uma das mais belas, profundas e afinadas vozes atuais, e de incontestável presença cênica, Maurane vem desenvolvendo uma bem-sucedida carreira com mais de dez discos, entre os quais os excelentes Ça casse (1991), Toi du monde (2000) ou ainda Quand l’humain danse (2003), em que mistura com muito êxito influências da chanson, do jazz, do swing e de ritmos de outros países. Assim como Nougaro, Maurane sempre se aproximou da música brasileira e, ainda em 1989, gravou duas faixas, “Pas gaie la pagaille” e “Fais soleil”, com a participação de Les Étoiles, dupla de cantores brasileiros que teve muito sucesso na França nos anos 1970 e 1980.

Maurane nunca escondeu que uma de suas maiores influências tenha sido Claude Nougaro, e não é surpreendente que esteja agora prestando sua homenagem ao artista neste novo disco. Como escreve no seu site http://www.maurane.be/ a respeito desse projeto: “A obra de Claude me marcou profundamente por sua poesia, musicalidade e a sensualidade que ele mostrava no palco. [...] Antes de mais nada, Claude era um esteta, um homem dedicado à beleza...”

Com os arranjos, swingados mas também delicados, de David Lewis, Fred Pallem, Louis Winsberg, Dominique Cravic e Les Primitifs du Futur, Maurane relê de forma magnífica 16 canções do compositor, entre as quais “Armstrong”, “Toulouse”, “La pluie fait des claquettes” ou “Il faut tourner la page”. De novo, a música brasileira está presente nas interpretações de “Tu verras” (O que será), com a participação do cantor Calogero, e “Bidonville” (Berimbau”). Trata-se de uma belíssima homenagem e ótima introdução ao universo desses dois grandes artistas da música francesa contemporânea.

O site www.maurane.be dá maiores detalhes sobre a produção desse disco, e reproduz também as letras das canções, sendo assim uma ótima ferramenta para conhecer melhor a poesia de Nougaro.

Quem quiser descobrir o universo de Maurane poderá ouvir várias faixas de sua carreira na página www.myspace.com/mauraneofficielmyspace

A versão ao vivo de “Armstrong” por Maurane está disponível no site YouTube http://www.youtube.com/watch?v=cot8XhWF28A e a mesma música na emociante interpretação de Nougaro pode ser vista na página http://www.dailymotion.com/video/xovzq_claude-nougaro-amstrong_music

O site oficial de Claude Nougaro http://www.nougaro.com proporciona uma descoberta por década da carreira do artista, além de disponibilizar trechos de entrevistas e links para outros sites.

Play It Again, Sam – George Shearing: “On Target”

2009-08-13T06:07:00.000-07:00

O pianista George Shearing está completando 90 anos esta semana, momento bastante oportuno para relembrar a carreira desse talentoso músico de jazz e destacar um dos trabalhos menos conhecidos entre os muitos que ele realizou ao longo de sua rica carreira.

Nascido em Londres em 13 de agosto de 1919, Shearing chega aos Estados Unidos em 1947. Seu nome começa a se tornar popular nos anos 1950 e início dos anos 1960, quando ele se apresenta com seu quinteto composto por piano, vibrafone, guitarra, baixo e bateria. Nessa fase, amplamente influenciada por músicos como Lionel Hampton e Nat King Cole, Shearing realiza alguns importantes discos seja instrumentais, seja em colaboração com cantoras como Peggy Lee, Nancy Wilson e Dakota Stanton, além do próprio Nat King Cole.

Se os anos 1970 não são tão produtivos, apesar do brilhante disco solo My Ship (1974), a carreira de Shearing conhece um novo impulso nos anos 1980, quando ele assina com a gravadora Concord e realiza uma série de discos primorosos, entre os quais Two for the Road (1980) com Carmen McRae, On a Clear Day (1980), Live at the Café Carlyle (1984) ou ainda Breaking Out (1987).

É nessa época que Shearing vai desenvolver uma parceria muito bem-sucedida com Mel Tormé, em discos como A Vintage Year (1987) ou Mel and George ‘Do’ World War II (1990).

Em 1992, Shearing assina com a gravadora Telarc e continua realizando vários discos muito interessantes, como How Beautiful is Night (1992), com arranjos orquestrais de Robert Farnon. Assim, aos 90 anos, Shearing já gravou mais de 100 discos, além de ter composto inúmeras músicas entre as quais a famosa “Lullaby of Birdland”, em uma das mais prolíficas carreiras entre os grandes nomes do jazz.

O disco On Target data de 1982 e é mais uma colaboração entre George Shearing e o compositor, maestro e arranjador canadense Robert Farnon (1917-2005). Shearing está acompanhado por Louis Stewart (guitarra) e Niels Henning Orsted-Pedersen (Baixo). Entre as faixas que compõem o repertório se encontram clássicos como “Last Night When We Were Young” (Arlen/Harburg), “A Nightingale Sang in Berkley Square” (Sherwin/Maschwitz) ou ainda “Portrait of Jennie” (Robinson/Burdge).

Embora gravado em momentos e lugares diferentes – o trio de Shearing gravou em Villgen (Alemanha) em setembro de 1979, enquanto a orquestra de Farnon gravou em Londres no ano seguinte –, o disco mostra uma verdadeira simbiose entre a delicadeza musical de Shearing, bastante influenciado por compositores como Debussy ou Satie, e a orquestração de Farnon, fazendo com que as notas do piano dialoguem magnificamente com as cordas, e tornando a audição desse disco um momento realmente prazeroso.

Infelizmente, produzido e lançado originalmente em LP pela gravadora alemã MPS, o disco está fora de catálogo há muito anos. Entretanto, pode ser encontrado na internet em alguns sites de compartilhamento de arquivos musicais.

Informações complementares sobre George Shearing se encontram no site www.georgeshearing.net

Quem quiser conhecer melhor Robert Farnon pode acessar: www.rfsoc.org.uk/

Les Girls

2009-08-04T20:55:00.000-07:00

Apesar de o ambiente musical estar cada vez mais americanizado, ‘beyoncezado’ e ‘britneyzado’ (isso dói!), existem ainda cantos de criatividade em que melodia não rima obrigatoriamente com batidas frenéticas e afinação vocal com voicoder. As três cantoras seguintes, embora à primeira vista não apresentem nada em comum, merecem ser destacadas pela qualidade do trabalho que produzem e por, de várias formas, tecerem mais uma ligação entre o Brasil e a França.

Barbara Carlotti está se apresentando esta semana nos palcos de São Paulo dentro da programação do Ano da França no Brasil. Após um primeiro disco, Les lys brisés (Os lírios partidos), que foi muito bem recebido pela critica, Barbara Carlotti lançou em 2008 o CD L’idéal, que foi consagrado entre as melhores produções francesas daquele ano. O trabalho da cantora mistura com perfeita harmonia a tradição literária francesa com a música pop anglo-saxônica, o que fez com que Carlotti fosse comparada à cantora Nico. Barbara Carlotti se apresentou no Bourbon Street e tem ainda dois shows marcados para os dias 5 e 6 de agosto, no Sesc Vila Mariana e no Sesc Santo André.

Não é mais necessário apresentar Zélia Duncan. A cantora vem desenvolvendo com serenidade e muito bom gosto uma carreira sempre original e pessoal, em que sabe equilibrar composições pessoais, influências (entre as quais o legado fundamental de Itamar Assumpção) e projetos originais, como a participação na reunião dos Mutantes ou a parceria com Simone. Zélia acaba de lançar seu novo trabalho, Pelo sabor do gesto, produzido, entre outros, por John Ulhoa, da banda Pato Fu. O disco tem a particularidade de apresentar duas ótimas versões que Zélia escreveu para canções que o compositor francês Alex Beaupain fez para o filme de Christophe Honoré Canções de amor, que obteve o César de melhor trilha original em 2008. Inspirando-se tanto na chanson tradicional quanto no som dos anos 1980 ou ainda no jazz, Beaupain está se impondo como um dos mais originais compositores e intérpretes da nova geração francesa.

Por sua vez, a cantora Céu está lançando seu segundo trabalho, denominado Vagarosa. Após um primeiro disco particularmente elogiado e que teve ótima divulgação, Céu volta com um trabalho que segue a mesma linha. As composições, essencialmente inspiradas na música popular brasileira, são otimamente servidas por modernos arranjos e pela utilização de grooves climáticos. A voz de Céu tece uma envolvente teia em que o ouvinte se deixa prender com o maior prazer. Embora profundamente brasileiro na sua essência, o trabalho de Céu remete também a uma tradição mais européia de conceber o canto e a música. Além disso, referências como Massive Attack ou Serge Gainsbourg são onipresentes. Aliás, não é de surpreender que, assim como Cibelle, Céu tenha sido descoberta e lançada na Europa antes de aportar na mídia brasileira.

O site de Barbara Carlotti é www.barbaracarlotti.com além da página MySpace www.myspace.com/barbaracarlotti.

As informações sobre o novo disco de Zélia Duncan encontram-se no site http://www2.uol.com.br/zeliaduncan/ e quem quiser conhecer melhor Alex Beaupain pode acessar www.myspace.com/alexbeaupainpop.

Músicas do novo disco de Céu podem ser ouvidas na página http://www.ceumusic.com/ além das informações disponíveis no www.myspace.com/ceuambulante

Salve, João!

2009-07-28T13:58:00.001-07:00

Após seis anos sem um disco de músicas inéditas (Malabaristas do sinal vermelho data de 2003), João Bosco acaba de lançar Não vou pro céu, mas já não vivo no chão. Este disco constitui um marco na discografia do artista por registrar a retomada da parceria com Aldir Blanc após 22 anos. Outros parceiros de João Bosco participam do trabalho como seu filho Francisco Bosco, Carlos Rennó ou ainda Nei Lopes.

A outra surpresa se deve ao fato de ser um disco mais “contido”, já que várias faixas primam pelo despojamento dos arranjos em que domina o violão. Por sua vez, João Bosco parece às vezes ter suavizado seu canto, e se os scats continuam presentes em algumas faixas, há um verdadeiro propósito de simplificação da maneira de cantar que, sem dúvida, beneficia a apreensão das letras.

Independentemente dessas características, o lançamento de um disco de João Bosco é com toda a certeza um evento importante para a música brasileira e, por si só, merece toda a devida atenção.

Em 40 anos de carreira, João Bosco teceu uma verdadeira obra musical, densa e rica. Os anos 1970 revelaram a dupla Bosco/Blanc, tão magnificamente interpretada por vários artistas, entre os quais se destaca claramente Elis Regina. Os anos 1980 – apesar de alguns críticos terem torcido o nariz quando João Bosco e Aldir Blanc desfizeram a parceria e João começou a modificar e desconstruir sua forma de interpretar – foram ricos em obras-primas como Gagabirô (1984), Cabeça de nego (1986) ou ainda Bosco (1989). Os anos 1990 também foram de grande êxito musical, com ótimos trabalhos como Zona de fronteira (1991), Na onda que balança (1994) ou ainda Na esquina (2000).

João Bosco é um eterno viajante que percorre a música em toda a sua força pluridimensional, sabendo como ninguém combinar o samba, a brejeirice, o swing, o jazz, as raízes africanas e árabes. Aliás, não é à toa que Caetano Veloso, no seu disco Zii e Zie e sua proposta musical de transcender o samba, escolheu reler de forma muito interessante “Incompatibilidade de gênios” (1976).

Por esses motivos, podemos somente lamentar que a maior parte da obra de João Bosco esteja atualmente fora de catálogo, impedindo que um novo público a conheça melhor, a não ser por meio de alguns discos ao vivo e coletâneas, que não abrangem toda a riqueza desse artista. Dessa forma, o lançamento do novo disco se tornar algo mais do que essencial.

O site oficial de João Bosco é um bom meio de abordar o artista, embora lamentavelmente não tenha ainda sido atualizado com o novo disco http://www.joaobosco.com.br

Eventos Culturais 2

2009-07-22T09:05:00.000-07:00

Voltando ao assunto do Ano da França no Brasil, não posso deixar de parabenizar a iniciativa de descentralização da programação, que passa por muitos estados e cidades e não se limita ao clássico eixo cultural Rio de Janeiro–São Paulo.

Assim, o estado de Minas Gerais vai receber vários eventos culturais até o mês de novembro que vale a pena conferir:

A cidade de Juiz de Fora está recebendo até o dia 28 de julho o 20º Festival Internacional de Música Colonial Brasileira e Música Antiga. Entre outros, no dia 24, na Igreja do Rosário, a apresentação do conjunto Le Poème Harmonique, com obras de Michel R. de Lalande e Marc Antoine Charpentier; e no dia 25 de julho, no Teatro Pró-Arte, o Grupo Lune et Soleil, composto por músicos brasileiros e franceses de formação erudita e jazz, que interpretará músicas do cinema francês, de Michel Legrand e Vladimir Cosma, e obras de Gershwin.

(Le poème Harmonique)

Juiz de Fora também receberá, de 3 a 8 de agosto, apresentações de rua, como a Compagnie La Truc / Cyril Hernandez, e em novembro a turnê Déclic – Minifestival de Música de Câmara Francesa.

Vários eventos vão acontecer ainda em Minas Gerais, principalmente nas cidades de Belo Horizonte e Ouro Preto.

Entre os outros estados contemplados nas comemorações, vale destacar Bahia, Pernambuco, Ceara e Amazonas, no Norte e Nordeste, e estados mais acostumados a receber eventos internacionais, como Paraná e Rio Grande do Sul, e o Distrito Federal.

Assim, de maio a outubro deste ano, Michel Legrand irá se apresentar com Sinfônicas Brasileiras em São Paulo, Ribeirão Preto (SP), Salvador (BA), Recife (PE), Belém (PA), Cuiabá (MT), Belo Horizonte (MG) e Vitória (ES).

Além de eventos culturais, o Ano da França promove encontros temáticos, vinculados a assuntos que dizem respeito a tecnologia, profissionalização, ciências, etc. Assim, vale destacar o I Fórum Franco-Brasileiro, "Ciência e Sociedade - Biodiversidade, Saúde, Desenvolvimento Sustentável Para Todos", que acontecerá em Macapá (Amapá), de 16 a 23 de outubro.

Por fim, o músico Edgard Scandurra e o grupo Les Provocateurs estão fazendo uma série de apresentações no Sesc Paulista, em que interpretam músicas de Serge Gainsbourg, simpática iniciativa que merece ser destacada.

Quem quiser acompanhar essa formidável profusão de encontros entre os dois países pode encontrar mais detalhes sobre datas, localizações e eventos no site http://anodafrancanobrasil.cultura.gov.br/ do Ministério da Cultura, que oferece um sistema de busca por tema, mês e estado.

A programação do Festival Internacional de Música Colonial e Música Antiga de Juiz de Fora se encontra no site http://www.promusica.org.br

Eventos Culturais

2009-07-17T13:27:00.000-07:00

O Ano da França no Brasil oferece várias oportunidades interessantes e lúdicas de melhor conhecer a cultura francesa. Assim, duas exposições chamaram mais especialmente minha atenção:

O Museu da Língua Portuguesa apresenta até o dia 13 de setembro a mostra O Francês no Brasil em Todos os Sentidos, em que são destacados os pontos de encontro entre os dois idiomas, não somente na literatura, mas também em várias áreas, como a moda, a culinária, a música ou a dança. Embora, a meu ver, um tanto sucinta demais, a mostra tem a vantagem de ser bastante didática e interativa, despertando o interesse dos visitantes. Além do mais, o Museu da Língua Portuguesa é um maravilhoso espaço cultural em plena Estação da Luz, dentro do ambicioso projeto de renovação do centro de São Paulo que, por si só, sempre merece ser lembrado.

O Instituto Tomie Ohtake, por sua vez, recebe até o dia 7 de setembro 84 obras de Jean Dubuffet (1901-1985), entre pinturas, esculturas, desenhos e litografias. Dubuffet foi um artista muito prolífico, cuja obra, que apresenta várias fases, é constituída por milhares de criações realizadas entre 1942 e 1985.

Considerado como um dos fundadores do Art Brut, termo inventado por ele, Dubuffet é mais conhecido pela fase intitulada ciclo Hourloupe, entre 1962 e 1974, caracterizada por traços em forma de quebra-cabeça ou rabiscos sobre fundo branco com espaços preenchidos por cores. Realizado inicialmente no formato de desenhos e pinturas, o ciclo Hourloupe ganha novas dimensões a partir do fim dos anos 1960, com a realização de esculturas e baixos-relevos arquitetônicos, e a utilização de novos materiais.

Conhecido também pelas surpreendentes pinturas e os retratos inspirados em desenhos feitos por crianças e doentes mentais, Dubuffet sempre foi atraído pela experimentação, a inovação e a audácia, oscilando entre figuração e abstração, em que a espontaneidade reina.

Para maiores informações sobre as duas exposições:

http://www.estacaodaluz.org.br/

http://www.institutotomieohtake.org.br/programacao/exposicoes/jean/jean.html

Play it again, Sam – Tom Waits – Foreign Affairs

2009-07-10T17:03:00.000-07:00

A carreira de Tom Waits deslanchou internacionalmente no começo dos anos 1980 com a trilha do filme de Francis Ford Coppola O fundo do coração (1982). Foi justamente nessa época que o artista mudou de gravadora, partiu para trabalhos bastante experimentais, como Swordfishtrombones (1983) ou Rain Dogs (1985), com arranjos em que o uso de percussões e sopros aliados à rouquidão tão específica da voz de Waits favorecia uma construção musical bastante brechtiana.

O disco Foreign Affairs é de 1977, portanto anterior a essas mudanças e talvez menos conhecido do grande público. Trata-se do 5º disco da carreira do compositor e talvez seja o trabalho em que Waits mais se aproxima do blues e do jazz.

Além do quinteto composto por Tom Waits: piano e vocais, Jim Hughart: baixo, Shelly Manne: bateria, Frank Vicari: saxofone tenor, Jack Sheldon: trompete, o disco também conta com a participação do clarinetista Gene Cipriano na faixa "Potter's field". Os incríveis arranjos de cordas de Bob Alcivar (que trabalhou com os Beach Boys, The Association, Sergio Mendes, Jack Jones, entre outros) criam uma atmosfera musical que faz com que esse disco lembre por vezes o clima típico dos filmes noir dos anos 1940 e 1950. A emocionante balada bluesy “Muriel” compete com a efusão verbal de “Potter’s field”, sem dúvida a faixa mais jazzística do disco, junto com o medley "Jack & Neal/California, here I come", cujo clima remete ao de filmes como Os assassinos (The Killers – Robert Siodmak, 1950), O segredo das joias (Asphalt Jungle – John Houston, 1950), ou ainda Ascensor para o cadafalso (Ascenseur pour l’échafaud – Louis Malle, 1957).

O disco traz também a deliciosa canção “I never talk to strangers”, com a brilhante participação de Bete Midler em um bem-humorado dueto com Waits.

Em 1978, Tom Waits produziu ainda Blue Valentine, que, de certa forma, é o irmão gêmeo de Foreign Affairs, apesar de ser mais elétrico e menos orquestral. Os dois discos representam bem o estilo do artista nessa primeira fase da carreira, que encontrará sua quinta-essência alguns anos depois, no disco One from the Heart.

Por fim, vale notar a ótima foto em preto-e-branco que ilustra a capa do disco, cujo autor é George Hurrel, fotógrafo bem conhecido pelos retratos que fez de artistas de Hollywood. A mulher que abraça Waits na foto é a cantora Ricky Lee Jones, namorada do artista na época.

Para mais informações sobre Tom Waits, recomendo o site

http://www.tomwaitslibrary.com

Daniel ou Natanael?

2009-07-05T15:06:00.001-07:00

(Van Gogh, Natureza-morta com frutas - 1887)

Dois textos publicados durante esta semana na Folha de SP chamaram minha atenção por serem convergentes, embora a priori tratassem de temas diferentes.

No dia 29 de junho, Álvaro Pereira Júnior dedicou sua coluna Escuta Aqui a Michael Jackson, destacando que com a morte do artista acaba uma época que não tem volta. “Foi o cara que vendeu dezenas de milhões de discos, que vivia como marajá, pendurado na gravadora, que gastava zilhões para fazer videoclipes.” E cita a matéria publicada por Jon Pareles no New York Times, em que o crítico analisou que Jackson era um paradoxo, considerado prodígio enquanto criança, e infantilizado uma vez adulto.

Por sua vez, João Pereira Coutinho publicou no dia 30 de junho uma crônica muito bem-humorada, intitulada Os normalopatas, em que declara que, ao ler o relato da última reunião da American Psychiatric Association sobre as alterações que devem ser feitas no Diagnostic and Statistical Manual of Mental Disorder, percebeu que sofre de boa parte das novas doenças mentais que os cientistas querem acrescentar à lista já existente. Assim, entre compulsão por comida, vício em internet ou e-mail, compulsão por compras, preconceitos e fúrias incontroladas, o colunista assustou-se ao perceber que poderia se encaixar no perfil do perfeito demente.

Ao criar um paralelo, talvez audacioso, entre os dois jornalistas, vejo que, de fato, ambos mostram que saímos definitivamente de uma época para entrar em outra. Não há dúvida que Jackson, assim como muitos outros artistas, simbolizou uma época em que criatividade rimava com audácia. Havia algo saudável em reconhecer a impertinência artística e comportamental, e o dinheiro era um combustível necessário à manifestação dessa ousadia.

Os tempos agora são outros, e os artistas mais conceituados ou se tornam verdadeiros pastores pregando a Palavra divina da boa consciência universal, como Bono ou Sting, ou marionetes sem alma oriundas de vagos “Clubes do Mickey”. Aliás, Britney Spears, por sua repentina e surpreendente "volta à normalidade”, não mereceria ser nomeada “mulher de honra de Stepford”?

Assim, percebemos que, aos poucos, entramos na inquietante época da “normalidade obrigatória” em que (politicamente) correto, saúde, equilíbrio, preservação são palavras de ordem. Superamos Orwell ao nos tornarmos nossos próprios big brothers, em um processo insinuante e assustador de autocontrole, muitas vezes inconsciente, em que assimilamos regras de boa conduta em doses homeopáticas que, porém, podem ser fatais.

Se nosso comportamento, nosso apego, nossa afetividade, por mais banalmente humanos que sejam, correm o risco de ser vistos como desvios, se a ousadia ou a rebeldia artística é percebida como ato de insanidade, podemos perder os sentidos essenciais do gosto e do olfato, para mergulhar na insipidez.

E em vez de conceber a possibilidade de uma ilha como Houellebecq, não seria melhor provarmos os frutos da terra como Gide? Antes sermos o discípulo Natanael do que o clone Daniel!

Abobrinhas gratinadas à moda de Lyon

2009-06-30T07:55:00.000-07:00

(Para 4 pessoas)

A cidade de Lyon, situada na confluência dos rios Ródano (Rhône) e Saône, é sem dúvida o maior e mais importante centro gastronômico da França, com ótimos restaurantes que se contam entre os melhores do país, e levam à mesa uma culinária rica, criativa e deliciosa.

Assim, esta linda cidade, a segunda maior da França, hospeda o celebrado restaurante de Paul Bocuse e o Instituto do mesmo chef, uma das maiores universidade de gastronomia do mundo, além de receber eventos internacionais vinculados à gastronomia, como o SIRHA, Salão Internacional de Restauração, Hotelaria e Alimentação.

A região deu origem também a pratos cotidianos típicos, entre os quais esta preparação de abobrinhas.

Trata-se de uma receita fácil, econômica e ótima para uma refeição convivial nos dias de inverno.

A receita original não tem tomate. Porém, acho que dá um leve toque de frescor ao prato, além de deixá-lo mais colorido.

O uso do tomilho e da noz-moscada também é facultativo, dependendo do gosto de cada um.

Aconselho ralar o queijo na hora. Na falta de gruyère, o emmental serve perfeitamente.

Ingredientes

· 4 abobrinhas médias
· 3 cebolas grandes
· 100 g de tomate-cereja
· 60 g de queijo gruyère ralado
· tomilho fresco
· noz-moscada
· azeite
· pimenta-do-reino
· sal

Preparo

Lave bem as abobrinhas e corte-as em rodelas médias sem descascar.

Corte as cebolas em anéis médios.

Corte os tomates-cereja em dois.

Em uma frigideira antiaderente, doure separadamente em fogo alto as rodelas de abobrinhas e os anéis de cebola no azeite.

Acrescente o sal, a pimenta-do-reino, a noz-moscada e reserve.

Chamusque rapidamente os tomates-cereja na mesma frigideira; acrescente sal, pimenta-do-reino e tomilho fresco e reserve.

Em uma forma refratária, acomode em camadas sobrepostas os anéis de cebola e as rodelas de abobrinha.

Finalize com o queijo ralado e os tomates.

Leve ao forno bem quente para gratinar.

Sirva em seguida.

The Man in the Mirror

2009-06-28T14:50:00.001-07:00

Ao saber da morte de Michael Jackson, na última quinta-feira, senti uma infinita tristeza, como se eu estivesse perdendo um ente querido.

Porém, o único disco que comprei do artista foi Thriller, obra-prima da música pop lançada em 1982, ainda na época remota das bolachas.

Antes de Thriller, Jackson era um perfeito desconhecido no meu universo musical – descobri e apreciei Off the Wall depois de ouvir Thriller – e a Jackson Family sempre foi um fenômeno tipicamente norte-americano, de pouca repercussão na França.

Depois de Thriller, não prestei tanta atenção à carreira do artista e acabei sabendo dele muito mais pelo freak show que o acompanhou por muitos anos do que por motivos artísticos.

Enfim, como todo mundo, fiquei curioso quando ele anunciou sua volta aos palcos, embora eu tivesse a sensação que essa decisão fosse mais por motivos principalmente financeiros que artísticos, e não esperasse que a fênix renascesse de suas cinzas sob os céus londrinos.

Sendo assim, não havia motivo sequer para tanta tristeza e para explicar o sentimento de perda que a notícia provocou em mim.

Contudo, nos últimos dias percebi que a comoção é geral e que várias pessoas sentiram a mesma emoção que eu, embora elas também não tivessem sido fãs ardorosas do artista.

Aí, lembrei de 1977 e da morte de Elvis Presley. Na época eu era adolescente e mal sabia quem era o "King of Rock'n'Roll". Para mim, tratava-se de um artista meio gordo e com roupas cafonas que se apresentava nos palcos de Las Vegas.

Entretanto, lembro que meus pais ficaram bastante abalados pela notícia, embora em casa não tivesse nenhum disco do cantor, a não ser um antigo 45 rpm de "Hound Dog", comprado por eles havia muito anos.

E depois, lembrei também da tristeza que senti ao saber da morte de John Lennon e de Freddie Mercury, dois artistas muito mais próximos do meu gosto musical do que o próprio Jackson.

Então, é certo que a comoção gerada pela morte de Michael Jackson ultrapassa o sentimento da perda da pessoa em si para alcançar uma dimensão bigger than life, como foi a representação do poder do próprio artista no imaginário coletivo.

Não há dúvida de que procuramos sempre, mesmo que inconscientemente, ultrapassar nossas limitações naturais. Para fazê-lo, escolhemos alguns eleitos que, por terem dons excepcionais ou simplesmente por estarem no lugar certo na época certa, transformamos em ídolos ou super-heróis por meio de cultos que são verdadeiros atos de sublimação fetichista.

Assim Michael Jackson foi eleito o “Rei do Pop”, o artista universal cujo moonwalk virou fenômeno social universal, em que milhares de pessoas se espelharam. E sua influência artística é tão durável que, ainda hoje, o novo ídolo pop internacional, Justin Timberlake, não esconde, na sua música e nos seus passos de dance, em quem ele se espelhou.

E não há também dúvida de que ídolos ou super-heróis não podem morrer, - pelo menos nunca no auge da carreira ou antes do fim do curso "normal" da vida - porque, ao falecerem, quebram o espelho e nos devolvem, da mais cruel maneira possível, à mera condição de seres finitos e limitados. Então, ao chorar a perda que sentimos com a morte deles, choramos de fato nossa própria perda. Por isso tamanha comoção.

Coralie Clément no Brasil

2009-06-20T10:08:00.001-07:00

O Ano da França no Brasil traz aos palcos de São Paulo a cantora francesa Coralie Clément, que irá se apresentar na cidade no fim deste mês, no dia 23 no Bourbon Street e nos dias 26 e 27 no Sesc Pompéia.

Filha de músico e irmã do excelente cantor e compositor Benjamin Biolay – que, por sua vez, compôs “Jardin d’hiver” para Henri Salvador e já se apresentou no Brasil em 2008 –, Coralie Clément iniciou sua carreira discográfica em 2001, com o CD Salle des Pas Perdus, que teve ótima repercussão não somente na França, mas também em diversos países, como Alemanha ou Japão. Assim, a canção “Samba de mon cœur qui bat”, composta por Biolay, fez parte da trilha da comédia romântica Alguém tem que ceder (2003), com Jack Nicholson e Diane Keaton.

Trata-se de um disco bastante acústico, em que Coralie Clément não esconde suas influências musicais, entre as quais Serge Gainsbourg e cantoras como Françoise Hardy ou Jane Birkin.

Em 2005 ela lança seu segundo CD, Bye Bye Beauté (que teve edição nacional na época), de tonalidade mais rock, notadamente por causa da participação de Daniel Lorca, do grupo Nada Surf, que divide a produção do disco com Biolay.

Em 2008 é lançado Toystore, de novo produzido por Biolay, em que se destaca a canção ”C’est la vie”, além de dois duetos, “Je ne sens plus ton amour” com Etienne Daho e “Sono io” com Chiara Mastroinani. O disco remete ao ambiente acústico do primeiro CD e traz certa maturidade tanto no canto quanto nos temas abordados nas letras.

Vale conferir o universo de Coralie Clément, em que se encontram em perfeita harmonia a chanson francesa, o pop inglês e também a bossa nova.

O site da cantora http://www.myspace.com/coralieclment traz informações sobre sua carreira, além de algumas músicas do mais recente CD.

Para quem quiser conhecer também o universo musical de Benjamin Biolay, http://www.benjaminbiolay.com/ e http://www.myspace.com/benjaminbiolay

A divina comédia – existe verdadeira democracia sem cidadania?

2009-06-18T14:14:00.000-07:00

Alguns acontecimentos recentes levam à reflexão sobre democracia e cidadania.

É incontestável que alguns países emergentes, entre os quais o Brasil desde o fim dos anos 1980, seguem um formidável processo de aprendizagem da cidadania, em que todos os membros da sociedade são convidados a ter voz ativa, não somente na hora de votar, mas também como guardiões permanentes do princípio de garantia do modelo constitucional democrático.

Este modelo político e societal tem por fundamento princípios imprescindíveis a todo Estado democrático, que são a transparência das instituições e o respeito às leis, além naturalmente de uma boa governança.

A aprendizagem do modelo democrático é em si um processo iniciático que leva progressivamente o aprendiz a conhecer e dominar as ferramentas que usa, no intuito de potencializar seu poder decisório de forma eficiente e produtiva.

Nesse processo iniciático, é incontestável que a mídia tem um papel altamente didático, ao denunciar sistematicamente fatos relevantes de entrave ao processo de transparência das instituições e de desrespeito às leis, sejam estes vinculados ou não a esquemas de corrupção política e/ou financeira.

Por outro lado, não há dúvida que o processo democrático esteja naturalmente vinculado ao aumento do poder aquisitivo, como já o destacou o constitucionalista Maurice Duverger.

A noção de poder aquisitivo pode ser vista de duas maneiras: por um lado, o aumento da renda individual do cidadão, e consequentemente, a melhoria de sua educação, de seu entendimento e de sua participação na vida social. Por outro lado, o desenvolvimento econômico, que torna o país emergente parceiro econômico internacional, obrigando-o a garantir a manutenção de instituições democráticas e transparentes.

De certa forma, o processo de globalização, ao criar mecanismos políticos e financeiros internacionalmente ligados, também cria obrigações e garantias políticas interligadas, cujo desrespeito é fator excludente de participação no mesmo processo.

Todavia, a democracia não pode realmente vingar se não for amparada por uma verdadeira compreensão e aceitação da cidadania por todos os componentes da sociedade. Ao tratar da cidadania, não estou somente me referindo ao contrato social de Rousseau, em que cada indivíduo se coloca à disposição da suprema direção da vontade geral.

Entendo como cidadania a compreensão, a aceitação e o respeito às regras e leis existentes, tanto na sua concepção quanto na sua aplicação e seus limites. O cidadão tem que entender o que lhe é permitido, e o que está além e aquém de seu alcance. Assim, a noção de permissão não diz respeito ao que é simplesmente autorizado por lei ou decreto, mas ao que socialmente é permitido dentro das normas do civismo social.

Assim, o indivíduo, ao receber determinado cargo ou estatuto social, encontra-se imbuído de deveres e direitos. O indivíduo cidadão, ao se deparar com os mesmos deveres e direitos, entende, aceita e respeita os limites impostos pela própria natureza aos direitos e às responsabilidades a ele confiados, e tende a agir com civismo e transparência.

Agora, o indivíduo que se aproveita dos direitos vinculados ao cargo ou estatuto que lhe é atribuído, embora tenha plena consciência de que, por motivos outros que não os de puro direito, se encontra fatualmente aquém ou além desses direitos, desconhece as regras básicas de civismo e transparência.

Assim, não basta implantar, por lei ou regras corporativas, o direito a verbas tais como ajuda de custo, de viagem ou de moradia, para que esses valores sejam intrinsecamente ligados ao cargo. É ainda preciso que o titular do cargo esteja em condições fatuais ou financeiras de pleitear o benefício desse direito.

Da mesma forma, não basta constatar que uma instituição nunca coibiu a contratação de familiares para que isso crie um direito à absolvição implícita dos atos cometidos, como se fossem atos normais de exercício do poder.

Quem está encarregado de poder representativo e dos direitos vinculados a esse poder e faz conscientemente uso impróprio deles, ainda que dentro de um âmbito legal, não se comporta de forma ética. Ao se prevalecer dessa legalidade para erradicar qualquer questionamento quanto à utilização dos direitos e regalias vinculados à sua função, o indivíduo deturpa a noção de legitimidade, desconhece e até despreza seu dever e papel de cidadão.

Ao comportar-se dessa forma, acaba por se tornar culpado de falsidade cívica e anula o próprio princípio de transparência que deve prevalecer para o fortalecimento das instituições democráticas.

Coup de cœur à Marc Collin

2009-06-10T15:16:00.000-07:00

Marc Collin é arranjador e produtor, junto com Olivier Libaux, do Nouvelle Vague, grupo que está lançando este mês seu 3º opus, com a participação especial de músicos convidados, como Martin Gore, do grupo Depeche Mode; Ian McCulloch, do Echo and the Bunnymen; e Terry Hall, dos Specials.

Nouvelle Vague é um projeto artística e comercialmente bem-sucedido de releitura de músicas dos anos 1980, principalmente do repertório punk e new wave, em estilo bossa-nova e acústico. Os dois primeiros CDs, Nouvelle Vague (2004) e Bande à part (2006), venderam cerca de 500.000 cópias e tiveram a participação especial de cantoras que em seguida desenvolveram com sucesso carreira solo, como Camille ou Helena Noguera. O novo disco, intitulado simplesmente 3, segue os padrões dos dois primeiros, mas com a particularidade de ter participação especial de músicos oriundos de bandas cujas músicas constituem o repertório do novo trabalho. Entre as releituras, destacam-se “Master and Servant”, do Depeche Mode; “Road to Nowhere”, dos Talking Heads, ou ainda “God Save the Queen”, dos Sex Pistols.

Marc Collin, assim como Alex Gopher ou Daft Punk, está entre os artistas que, no fim dos anos 1990, fizeram parte da “cena de Versailles”, no movimento de música eletrônica francesa chamado “French Touch”, que teve repercussão mundial com artistas como Air ou Étienne de Crécy, entre outros.

Além do projeto Nouvelle Vague, Collin tem outras produções muito interessantes que remetem a influências pop e jazz, e escreve também trilhas de filmes. Ele se inspira igualmente na cultura dos anos 1960, como mostra o CD Les Pétroleuses (2002) – título homônimo ao de um filme com Brigitte Bardot e Claudia Cardinale –, em que compõe uma trilha sonora imaginária para um filme, que seria ambientado nessa época.

Em 2007, ele compõe e produz o CD Two for the Road, referência direta ao filme de Audrey Hepburn, em que inventa um roteiro narrando a história de um casal com melodias de inspiração eletroacústica. Em 2008, é a vez do ótimo projeto Hollywood, Mon Amour, releitura de músicas de cinema dos anos 1980, na mesma veia dos projetos do grupo Nouvelle Vague, com participação especial de artistas como Yael Naim, Cibelle ou ainda Skye.

Além do lançamento do novo CD de Nouvelle Vague, Marc Collin participa igualmente no excelente CD Private Domain, em que a artista Iko, de formação clássica, faz uma releitura pop e eletrônica de obras clássicas de compositores como Fauré, Monteverdi, Rameau ou Purcell, com participações especiais, entre as quais Emilie Simon e Murcof.

A página MySpace do Nouvelle Vague disponibiliza para escuta várias faixas do novo disco: http://www.myspace.com/nouvellevague

Sobre Hollywood, Mon Amour, visite o site http://www.hollywoodmonamour.com/

com entrevista em que Collin detalha esse projeto.

Algumas faixas do CD Private Domain podem ser ouvidas no site da gravadora Naïve http://en.naive.fr/#/artist/private-domain

À procura de M. Gainsbourg

2009-06-04T10:46:00.000-07:00

Na sua última visita ao Brasil, Charles Aznavour teria declarado a um jornal brasileiro que a chanson francesa é importante principalmente graças às letras, e não à música. A meu ver, o artista não deixa de ter razão e de ser omisso ao mesmo tempo. Há de fato grandes letristas, mas também grandes compositores de música popular francesa. Sem querer comparar com a música popular brasileira, que, a meu ver, em ambos os quesitos é inigualável, a canção francesa deixou suas pegadas na música popular internacional por meio de canções como “La mer”, “La vie en rose”, “Les feuilles mortes”, “Et maintenant” e, claro, “Je t’aime moi non plus” de Serge Gainsbourg.

Gainsbourg certamente foi o maior autor de música popular da França dos últimos 40 anos, e sua influência ultrapassou as fronteiras não somente do país, mas também da francofonia, para alcançar verdadeira dimensão planetária.

O Sesc Paulista apresenta uma exposição sobre o artista até o dia 7 de setembro, dentro das comemorações do Ano da França no Brasil, e acredito que, para quem ainda não o conhece, seja uma ótima maneira de ter uma primeira abordagem com esse artista complexo e múltiplo.
http://www.sescsp.org.br/

Gainsbourg nasceu em 1928, filho de judeus russos que migraram para a França na época da Revolução Bolchevique de 1917. Nos anos 1950, começou por se dedicar à pintura (sua grande paixão), para em seguida iniciar uma carreira de cantor crooner e pianista de cassino e de clubes noturnos. A cantora Michèle Arnaud, da qual foi músico no fim dos anos 1950, ao descobrir suas composições, incita-o a gravar os primeiros discos, bastante influenciados pelo jazz pós-guerra, e que fazem sucesso junto a um público restrito.

Entretanto, a inegável qualidade dessas canções faz com que Gainsbourg comece a compor para vários artistas da época, principalmente mulheres, entre as quais Juliette Gréco e Petula Clark. O sucesso mais amplo chega, enfim, com as canções “Comment te dire adieu”, cantada por Françoise Hardy, e “Les sucettes”, com France Gall, que são as premissas do encontro de Gainsbourg com o universo pop.

Em 1967, ele tem um romance com Brigitte Bardot, para a qual compõe algumas de suas mais famosas canções, como “Initials BB”, “Bonnie and Clyde” e “Harley Davidson”. Em 1968, ele encontra Jane Birkin, com quem ficará até 1978. Juntos eles gravam "Je t’aime moi non plus", sucesso planetário, composto primeiramente para Bardot. A atriz chegou a gravar a canção, mas se opôs ao lançamento comercial até 1986.

(Gainsbourg com Jane Birkin)

A partir desse momento, Gainsbourg alcança a fase áurea de sua carreira musical com o lançamento do disco mítico L’Histoire de Melody Nelson (1971), seguido por Vu de l’Extérieur (1973), Rock aroud the Bunker (1975) e L’Homme à la Tête de Chou (1976). Esses discos, se fizeram pouco sucesso de vendas na época, são hoje considerados obras essenciais não somente para a história da canção francesa como pela influência que têm junto a muitos artistas, entre os quais Beck, Moby, Placebo, Nick Cave ou Massive Attack, e outros.

Paralelamente, Gainsbourg se torna cada vez mais dependente do cigarro e do álcool – sofre um infarto em 1973 – e tem um comportamento altamente provocador que choca a França ‘giscardista’ do fim dos anos 1970. Essa fase da carreira do artista, que seguirá até sua morte, em 1991, tem seu auge com o lançamento do disco Aux Armes et Cœtera (1979), produzido na Jamaica com os músicos de Bob Marley e em que ele grava a Marselhesa em versão reggae, com coro de cantoras jamaicanas no refrão. O disco se torna um grande sucesso comercial, mas Gainsbourg sofre ameaças de extremistas da direita e o próprio exército francês irá até impedir a realização de um show do artista. Nesses últimos anos, Gainsbourg vai criar um alter ego, chamado Gainsbarre, que será o duplo transgressivo do artista, como Dr Jekyll e Mr Hyde, dupla infernal que, aliás, foi musicada por Gainsbourg em uma canção dos anos 1960.

Além do talento de compositor, Gainsbourg mostra toda a sua verve como letrista, com letras altamente complexas, cheias de trocadilhos, duplos sentidos e certa ironia, herdada do escritor Boris Vian, que o influenciou muito. A temática erótica está frequentemente presente nas composições desde os anos 1960 até as últimas obras, como, por exemplo, em “Lemon incest”, que compôs para sua filha Charlotte Gainsbourg em 1985. Gainsbourg compôs também inúmeras trilhas de filmes e foi diretor de quatro longas-metragens e vários clipes. Até o fim da carreira, continuou compondo para outros artistas, como Vanessa Paradis (mulher de Johnny Depp), Alain Chamfort, Alain Bashung, mas também atrizes como Catherine Deneuve e Isabelle Adjani.

Para quem quiser mais informações, existem vários sites sobre o artista, entre os quais recomendo http://gainsbarre.typepad.com/. Alguns discos (importados) podem ser encontrados no Brasil, em lojas como a Fnac, Saraiva ou Livraria Cultura, assim como o CD Monsieur Gainsbourg (em edição nacional), com releituras de canções do artista por Franz Ferdinand, Feist, Kid Loco, Portishead, entre outros. Finalmente, recomendo a leitura do livro Um punhado de gitanes de Sylvie Simmons, publicado em português pela editora Barracuda.

As informações relativas à programação do Ano da França no Brasil estão disponíveis no site do Ministério da Cultura: http://anodafrancanobrasil.cultura.gov.br/

Aviso aos navegantes

2009-06-03T07:52:00.001-07:00

A nave Enterprise está de vento sideral em poupa com o filme Star Trek, cujo merecido sucesso (principalmente no mercado norte-americano) ultrapassa todas as expectativas. Embora eu não seja tão apegado a computações de resultados e lucros por serem meramente dados mercantis, não posso deixar de sentir certa satisfação diante da recompensa de um trabalho que soube rejuvenescer da melhor maneira possível esta antiga franquia. Ainda mais se lembrarmos os estragos já cometidos pelos estúdios de Hollywood ao quererem levar à telona clássicos da telinha como Missão: Impossível ou As loucas aventuras de James West, entre outros.

E como uma boa notícia nunca vem sozinha, acaba de ser lançado pela Editora Aleph - www.alephnet.com.br - o Almanaque Jornada das Estrelas, de Salvador Nogueira e Susana Alexandria, que é o primeiro livro do gênero totalmente concebido e realizado no Brasil.

Esse almanaque é rico em dados, imagens e curiosidades sobre uma das séries de televisão mais conceituadas que já existiu. Além de trazer informações detalhadas sobre as três temporadas da série original, apresenta as personagens principais, conta, por exemplo, como foram concebidos os temidos klingons e romulanos, ou ainda narra a saga da criação das famosas orelhas de Spock.

Há também um capítulo muito rico em detalhes sobre a ida da série para o cinema com informações sobre todos os filmes produzidos, inclusive o último. E não faltam também páginas consagradas às outras séries da franquia.

E para o prazer dos trekkers brasileiros, a cereja do bolo é a primeira edição na língua portuguesa das tiras satíricas do cartunista John Cook, publicadas sob o nome Sev Trek e que, por si sós, tornam a aquisição desse livro algo indispensável.

Finalmente, para consertar uma omissão na postagem que já consagrei a Star Trek neste blog http://metreno.blogspot.com/search/label/Jornada%20nas%20estrelas , não posso deixar de citar o endereço do site dos trekkers brasucas: http://www.trekbrasilis.org/

Cenoura marroquina

2009-06-02T08:11:00.000-07:00

(para 4 pessoas)

Adoro preparar esse prato fácil e rápido que costumo servir no aperitivo como tira-gosto. Além de ser delicioso e surpreendente, é muito mais saudável que as costumeiras batatinhas e outros salgadinhos, verdadeiros hinos ao empanturramento!

A harissa em pó não é fácil de encontrar no Brasil e pode ser substituída por uma pimenta-malagueta com as sementes, finamente picada.

Pelo mesmo motivo, o tempero ras el hanout é facultativo. Pode ser substituído por ½ colher (café) de gengibre em pó misturado com pimenta-da-jamaica em pó.
Dependendo da minha vontade gustativa, às vezes acrescento um pouco de alecrim ao preparo, junto com os demais temperos, para dar “aquele gostinho especial”.

Ingredientes

· 4 cenouras médias
· 2 dentes de alho
· ½ colher (café) de páprica picante
· ½ colher (café) de cominho em pó
· ½ colher (café) de ras el hanout
· ¼ colher (café) de harissa em pó
· 1 colher (café) de salsa picada
· 1 colher (café) de coentro picado
· pimenta-do-reino
· alecrim (facultativo)
· azeite de oliva
· sal
· água

Preparo

Descasque as cenouras e corte-as em cubinhos (ou rodelas, conforme a grossura da cenoura).

Descasque e pique os dentes de alho.

Em uma panela refratária, aqueça uma colher (sopa) de azeite de oliva.

Refogue os cubos de cenoura e o alho picado, mexendo para que não grudem.

Acrescente ao preparado a harissa, a páprica, o cominho e o ras el hanout. Adicione o sal e a pimenta-do-reino a gosto.

Junte a água fria até cobrir, e mexa mais um pouco.

Deixe cozinhar na panela semitampada, em fogo brando, até que a água evapore. Acrescente a salsa e o coentro.

Sirva morno ou frio, conforme o gosto.

A divina comédia - Os monstros, os sádicos e os feirantes

2009-05-30T11:35:00.000-07:00

Um carro descontrolado anda de ré, causando pânico em ruas de uma cidade e atropelando pedestres. Nesse carro se encontra um homem com o rosto escondido por uma máscara, as mãos atadas, a boca vedada por uma fita. A tensão aumenta à medida que o carro vai causando mais estragos e que o homem tenta se soltar, sem sucesso.

Os participantes de uma espécie de prova devem percorrer as ruas de uma cidade com as mãos atadas e os olhos vedados, e tentam cegamente escapar de obstáculos (postes, árvores, carros, etc.). Os perdedores (os que caírem ao bater nesses obstáculos) são impiedosamente filmados pelos organizadores do evento por meio de aparelhos celulares.

Uma mulher tenta impedir que seu namorado a deixe. Como suas palavras não bastam, ela o empurra escada abaixo. Depois, quebra a perna dele com um taco de golfe e o joga no chão, na cadeira de rodas em que ele está amarrado. No final, como ele tenta de novo escapar, ela o persegue com um machado.

Estas cenas arrepiantes não são fragmentos de algum pesadelo que eu tivesse tido, mas resumos de videoclipes de artistas tão conceituados quanto Depeche Mode, Pink ou Prodigy. São idênticos na essência, ao mostrar o lado mais sádico do ser humano. Entretanto, não creio que o objetivo desses vídeos seja levar os espectadores a refletirem sobre os meios e os fins do comportamento dos homens. Trata-se apenas de ilustrar músicas com imagens suficientemente “diferentes” para que elas possam se destacar no jorro permanente e estrondoso de informações que a mídia, principalmente a televisão, proporciona.

E não há dúvida nenhuma de que, para os marqueteiros das gravadoras, os artistas e também os profissionais das mídias que as divulgam, estas imagens têm potencial comercial incontestável por se adequarem ao gosto do público atual, motivo pelo qual este tipo de narração é vinculado a artistas de fama e sucesso internacional.

Não pretendo erguer o estandarte do puritanismo ou do moralismo para condenar essas imagens e sua divulgação, mas há que se perguntar se esta forma de representação da violência (e, intrinsecamente, nossa aceitação passiva desta representação) não tem algo de bastante assustador.

A meu ver, estas imagens são infinitamente mais chocantes do que as de filmes maciçamente reprisados pelos canais de TV paga, repletos de vampiros sanguinários, mortos-vivos famintos, sobreviventes mutantes enlouquecidos e outras espécies de monstros peludos, dentuços e selvagens.

Simplesmente pelo fato de estes filmes não terem a mínima camada de verossimilhança, mantém-se certa distância entre o espectador e as cenas mostradas, dentro de um processo ilusório em que o susto constitui um elemento de diversão.

No caso desses clipes, este distanciamento não existe mais, e isso torna o que vemos profundamente chocante. Deixamos o universo dos monstros para alcançar o dos sádicos. E a cada sádico corresponde um masoquista, desta vez o espectador que se deixar fisgar por essas imagens.

E os feirantes lucram muito e cada vez mais com esse tipo de produto, sem que haja a mínima preocupação quanto às consequências das informações difundidas. Assim, se não bastassem clipes no gênero dos citados, a programação de certos canais de TV a cabo apresenta no prime time (vulgo horário nobre – quanta ironia!) filmes tão assustadores quanto Jogos mortais ou O albergue, que são meramente filmes explícitos de torturas físicas e morais.

E se os monstros fazem parte do imaginário coletivo porque remetem a lendas e contos que, sob diferentes formas, existem em todas as culturas, os sádicos fazem parte de nosso cotidiano, em que, diretamente ou indiretamente, sofremos ou acompanhamos pela mídia cenas de violência moral e física, e enfrentamos medos e frustrações.

Porém, não é por meio da “estetização” da violência sádica que a subjugaremos. Pelo contrário, temo que inconscientemente tenhamos alcançado o patamar da banalização do sadismo, ao torná-lo objeto de recreio.

Descalços no parque

2009-05-23T08:39:00.001-07:00

Nem São Paulo da garoa, nem o cruzamento da Ipiranga com a avenida São João. Apenas uma deliciosa manhã de outono no Parque Ibirapuera.

Para os amantes de São Paulo, recomendo o site São Paulo Minha Cidade com apresentação dos bairros, fotografias e histórias de moradores da cidade: http://www.saopaulominhacidade.com.br/

Marie Modiano – Outland

2009-05-21T15:17:00.000-07:00

Em setembro de 2008 foi lançado o disco Outland da cantora Marie Modiano. Na época, eu estava na França e tive a oportunidade de escutá-lo. Embora eu tenha a lembrança de ter achado o disco agradável, devo reconhecer que não prestei atenção suficiente a esse trabalho. Tornei a ouvir o CD a semana passada, com certa curiosidade, como se fosse uma total descoberta. E foi mesmo!

Marie Modiano é cantora e atriz. Filha do escritor francês Patrick Modiano – um dos maiores autores franceses dos 30 últimos anos, infelizmente pouco publicado no Brasil –, ela começou sua carreira no teatro entre a França e a Inglaterra, após ter sido aluna da Royal Academy of Dramatic Art de Londres.

Em 2004, lançou seu primeiro disco, intitulado I´m Not a Rose, que lhe valeu boas resenhas na imprensa francesa, e o interesse de certo público cativo.

Outland confirma com toda evidência as impressões deixadas pelo primeiro trabalho. São 12 canções, cantadas em inglês, em que Marie Modiano cria personagens, conta pequenas histórias, em ambientes intimistas, com algumas referências literárias, que de certa forma se espelham no estilo e nos climas dos livros do pai.

Os arranjos de Peter von Poehl, músico sueco que, entre outros, já trabalhou com Michel Houellebecq e Vincent Delerm, dão às canções um ambiente folk-indie, na linha de outros artistas nórdicos como Kings of Convenience ou ainda o islandês Bardi Johannsson, da banda Bang Gang. O uso de instrumentos acústicos, violões, piano, mas também de sopros e cordas – como na genial “Butterfly Girl” –, remete a trabalhos recentes, como o CD Seventh Tree de Goldfrapp. Por sua vez, a voz de Marie Modiano, com certo grave, cria um clima intimista, próximo do ouvinte, digno das melhores gravações de Marianne Faithfull.

Por isso, Outland, embora de 2008, acaba por se tornar uma das melhores descobertas que fiz até agora em 2009. Isso prova, mais uma vez, que não podemos dar ouvidos ao imediatismo ambiente, amplamente sustentado pelos meios de comunicação ou de divulgação, e que nos leva facilmente a crer que música é algo para conhecer, assimilar, julgar e cuspir assim que sair do forno do artista ou da gravadora.

Convido vocês a descobrirem o trabalho da Marie Modiano e notadamente o excelente clipe da canção “Spider’s Touch” no site dela: www.myspace.com/mariemodiano.

The times they are a-changin’

2009-05-15T15:48:00.000-07:00

(projeto para a mediateca de Sendai no Japão)

Dando complemento ao texto Além da imaginação que postei neste blog no último dia 28 de abril, http://metreno.blogspot.com/2009/04/alem-da-imaginacao.html, meu amigo Milton Dutra Pereira me informou da participação de Michel Melot, curador-geral das Bibliotecas junto ao Ministério da Cultura da França, no Segundo Seminário Brasileiro do Livro e da História Editorial, que aconteceu no Rio de Janeiro nesta semana. http://www.livroehistoriaeditorial.pro.br/segundoseminario/index.php/pagina-inicial

Melot, autor de livros sobre a história da ilustração, as estampas e as bibliotecas, constata que, apesar da morte cada vez mais anunciada do livro físico, que seria substituído pelo e-book, nunca houve tantos projetos arquitetônicos relativos a bibliotecas públicas. Além das medidas e dos incentivos políticos e governamentais, Melot percebe que há uma verdadeira renovação do conceito de biblioteca, com a modernização dos equipamentos e a reformulação dos meios de pesquisa, que transformam estes lugares em mediatecas, ou seja, centros culturais, altamente frequentados por quem busca informação e cultura, além do simples empréstimo de livros.

Ele cita como exemplo deste paradoxo as doações feitas por Bill Gates, por meio da Fundação Bill & Melinda Gates, que, após ter doado US$ 20 milhões à biblioteca pública de Seattle em 1998, anunciou em 2008 um programa de implantação de melhoramento do sistema de internet nas bibliotecas de outros estados, para permitir um maior acesso do público aos acervos.

Dessa forma, o e-book não anunciaria o fim do livro de papel, mas seria apenas um dos componentes da grande mudança que nos espera em relação à nossa maneira de receber, assimilar e produzir a informação escrita. Nessa mudança, as mediatecas são de fato grandes centros de comunicação da cultura como um todo, ao facilitar sua visibilidade e seu compartilhamento.

Gostaria ainda de destacar a matéria da coluna Conecte do Jornal da Globo de 14 de maio, que, ao tratar deste assunto, privilegia as novas tecnologias em termo de e-book.
http://g1.globo.com/jornaldaglobo/0,,MUL1126913-16021,00-NA+ERA+DA+TECNOLOGIA+OS+LIVROS+SAO+ELETRONICOS.html

Em todo caso, vejo que estamos diante de um processo irreversível e que nosso desafio não é nada mais (porém, nada menos também) que testar nossa capacidade de adaptação às formas novas de comunicação e, portanto, de compreensão da informação sem que haja a necessidade moldá-la em determinado formato ou suporte.

Assim, achei interessante a declaração de Nando Reis, na edição nº 32 da revista Rolling Stone, que, ao deplorar a diminuição das vendas de discos, disse: “Talvez não tenha tanta gente interessada em discos inteiros. Isto, sim, acho um empobrecimento. A construção de meu esqueleto, meu gosto, minha vida, foi através de álbuns”.

Aí, percebemos claramente o quanto nossa construção cultural (e emocional) depende muito do formato sob o qual recebemos a informação. É incontestável que Nando Reis viveu a grande época dos discos de vinil e principalmente dos álbuns conceituais. Entretanto, não podemos esquecer que o formato de disco “long play” é uma criação puramente mercadológica, resultado do desenvolvimento tecnológico decorrente da invenção de Thomas Edison.

Antigamente, as “canções” eram conhecidas do grande público graças a cantores de rua, a tocadores de realejo, que frequentemente vendiam também a partitura ou a letra. Obras conceituais cantadas ou de longa duração eram óperas e peças de música erudita em geral.

Por outro lado, sem a criação do LP, o que teria sido de obras tão marcantes quanto Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dos Beatles, Dark Side of the Moon do Pink Floyd ou ainda Thriller de Michael Jackson? E como poderíamos celebrar este ano os 50 anos de Kind of Blue de Miles Davis? São perguntas essenciais porque dizem respeito à nossa construção cultural, nossa percepção emocional, nosso universo sensorial.

E já que os tempos estão mudando, nada melhor para concluir este artigo do que anunciar o lançamento do novo disco de Bob Dylan, Together Through Life. Achei o disco bem interessante, apesar da voz cada vez mais desgastada do artista. Quem estiver interessado poderá adquirir o disco em vários formatos, CD, CD DeLuxe, LP, LP duplo com CD, CD com DVD, etc. Prova de que estamos ainda longe de nos entregar inteiramente à imaterialidade das coisas!

Somos todos taxonomistas!

2009-05-12T18:38:00.000-07:00

A revista Bravo! publicou no fim de 2008 um número especial sobre as 100 obras essenciais da música erudita que só agora descobri e me apressei em comprar, embora eu não me considere, longe disso, especialista ou mesmo amante assíduo dessa música. Respeito e gosto da música erudita, mas devo reconhecer que não escuto com muita frequência este gênero musical, e prefiro dedicar meus lazeres “auditivos” à descoberta de obras de jazz, rock, chanson française ou ainda MPB. www.revistabravo.com.br

Então, o que me levou a comprar essa revista? Acredito que nada mais do que uma pulsão irrefreável, uma “curiosidade taxonômica” vinculada à descoberta da classificação hierárquica estabelecida por uma publicação conceituada, de importância cultural unanimemente reconhecida.

Bravo! expõe claramente a finalidade da classificação na capa da revista ao declarar que se trata do “ranking das melhores composições da história em todos os gêneros...”. Contudo, há de se notar certa relativização dessa pretensão na carta do editor, Almir de Freitas, em que ele reconhece que o resultado é “uma hierarquização de obras, compositores e intérpretes que, no conjunto dos textos, conta a história dessa arte”. Então, não se trata mais de destacar o melhor, mas o essencial, no sentido do lugar que a obra ocupa na evolução histórica da música erudita. A pesquisa da Bravo! cita as seguintes fontes:

www.bbc.co.uk/radio3/discoveringmusic e www.keepingscore.org, além de inúmeras referenciais bibliográficas.

De certa forma, sinto certo antagonismo entre a análise da essencialidade histórica, que a meu ver deve ser meramente empírica, e a análise da qualidade (‘as melhores composições’) mencionada na capa e que é subjetiva. E sendo assim, por que não ter apresentado essas obras essenciais dentro de um fluxo cronológico e não segundo uma classificação que coloca em último lugar (n.100) a Missa de Notre Dame, obra essencial da Idade Média e, de certa forma, ponto de origem da análise histórica desse gênero musical, e cujo autor, Guillaume de Machaut, “foi precursor da música renascentista e revolucionou a escrita da música sacra ocidental”, como lembra a revista?

Devo reconhecer que, apesar de minha imperícia no assunto tratado, não posso conter minhas reações, críticas, aprovações e frustrações em relação à classificação proposta, tanto no que diz respeito à metodologia escolhida como à ausência de compositores e/ou obras que, a meu ver, têm sua importância histórica. Assim, como omitir Camille Saint-Saëns – que, embora considerado conservador, influenciou compositores como Darius Milhaud (outro esquecido), que por sua vez influenciou muitos artistas de jazz – ou Henry Purcell – compositor predominantemente barroco, mas cuja obra Dido & Enéias é a primeira ópera inglesa. E questiono também (quanta audácia!) a escolha dos Dozes estudos para violão de Heitor Villa-Lobos como única obra citada deste compositor e não um dos seus magníficos Choros.

Todavia, ao reagir dessa forma, não faço outra coisa a não ser confrontar minha subjetividade com a dos autores da lista publicada pela Bravo! Aí não nos encontramos mais na questão do mérito da escolha das obras citadas pela revista ou por mim, mas entramos na questão da necessidade primeira, que é o desejo natural do ser de querer compreender, assimilar e julgar (com seu afeto) as coisas que o rodeiam pela classificação que lhes dá e, consequentemente, de fazer dessa classificação um espelho de si próprio.

Há milhares de publicações sobre esse assunto, e não pretendo, numa postagem de blog, estender-me sobre os trabalhos acadêmicos relativos às classificações que analisam desde as premissas enciclopédicas de Diderot até autores contemporâneos. Entretanto, gostaria de destacar o interessante estudo de Olga Pombo, professora auxiliar da Universidade de Lisboa, investigadora responsável pelo projeto Enciclopédia e Hipertexto, intitulado “Da classificação dos seres à classificação dos saberes”,

http://www.educ.fc.ul.pt/docentes/opombo/investigacao/opombo-classificacao.pdf.

Nesse estudo, Olga Pombo, ao reconhecer a “radicalidade do problema da classificação, da sua inscrição no desejo – e na necessidade primordial – de compreender e ordenar a variedade que nos rodeia”, procura, “no primeiro momento, delimitar o conceito de classificação”. No segundo momento, ela tenta definir “diferentes tipos de classificações mostrando como é possível identificar quatro grandes orientações: uma orientação ontológica (classificação dos seres), uma orientação gnosiológica (classificação das ciências), uma orientação biblioteconómica (classificação dos livros) e uma orientação informacional (classificação das informações)”. Por fim, ela considera que a “emergência de cada uma destas orientações seria correspondente a diferentes fases de desenvolvimento histórico do próprio problema da classificação”.

Recomendo também a leitura do livro A memória das coisas – Ensaios de literatura, cinema e artes plásticas de Maria Esther Maciel – Lamparina Editora (2004), em que a autora reúne ensaios nos quais discute o uso criativo dos sistemas de classificação por parte de escritores, cineastas e artistas contemporâneos, entre os quais Jorge Luis Borges, Peter Greenaway, Arthur Bispo de Rosário, George Perec e Carlos Drummond de Andrade.

http://www.letras.ufmg.br/esthermaciel/

Foi nesse livro que li a seguinte citação de Jose Luis Borges e que tomo a liberdade de reproduzir aqui, por ilustrar perfeitamente a temática do presente artigo: “Um homem se propõe a tarefa de desenhar o mundo. Ao longo dos anos, povoa o espaço com imagens de províncias, de reinos, de montanhas, de baías, de naus, de ilhas, de peixes, de moradas, de instrumentos, de astros, de cavalos e de pessoas. Pouco antes de morrer, descobre que esse paciente labirinto de linhas traça a imagem de seu próprio rosto”.

Era uma vez a revolução

2009-05-08T10:37:00.000-07:00

(A demolição da Bastilha - estampa do século 18 - Museu Carnavalet - Paris)

Épocas de crise econômica, com seu rastro de consequências nefastas, entre as quais o desemprego, a redução do poder aquisitivo, a pobreza e inúmeras falências de empresas e bancos, sempre levam ao questionamento dos sistemas econômicos, políticos e sociais existentes e consequentemente ao ressurgimento de reflexões sobre o fundamento e a finalidade das revoluções.

Dessa forma, e mesmo que sem nexo direto entre si, não é de surpreender que dois textos tenham sido publicados a poucos dias de intervalo sobre o tema da revolução, ambos muito interessantes.

O psicanalista Contardo Calligaris acaba de publicar na Folha de SP de 7 de maio o ensaio Ahmadinejad e Foucault, em que, ao analisar a decisão de cancelamento da visita do presidente do Irã ao Brasil, questiona a análise positiva que Foucault fez da revolução iraniana e, intrinsecamente, nosso almejo, mesmo que inconsciente, de uma esperança coletiva vinculada a movimentos revolucionários [

http://contardocalligaris.blogspot.com/2009/05/ahmadinejad-e-foucault.html ].

Por sua vez, Serge Halimi, escritor e jornalista, ao constatar que “a crise do capitalismo enfraquece as oligarquias que estão no poder”, publicou no Monde Diplomatique de maio um artigo bem documentado e intitulado Éloge des révolutions, em que faz um apanhado das revoluções consideradas historicamente importantes ao analisar nossa atualidade e nossa apatia diante de fatos que poderiam levar a desejos revolucionários que mudassem as sociedades [

http://www.monde-diplomatique.fr/2009/05/HALIMI/17050 ].

Apesar de as análises serem bastante diferentes, há certamente um paralelo a fazer entre o ponto de vista do psicanalista e o do escritor.

Em primeiro lugar, Calligaris declara que não consegue “ponderar os problemas do mundo sem pensar no individual”, enquanto Halimi logo analisa a evolução histórica do pensamento revolucionário em que, após o apogeu dos Estados totalitários (União Soviética e China), as democracias, principalmente nos modelos anglo-saxões, recuperaram a idéia de mudança de sociedade para construir um modelo revolucionário mais político do que social, baseado na lei do mercado.

Apesar de terem focos diferentes, os dois autores referem-se ao Contrato social de Rousseau ao reconhecer que há inevitavelmente no ser humano um desejo de coletividade. “Algo [...] que nos permita renunciar por um tempo a nossas responsabilidades singulares”, segundo Calligaris, enquanto para Halimi os movimentos sociais são antes de tudo defensivos porque “pretendem restabelecer um contrato social que julgam desrespeitado pelos patrões, os latifundiários, os banqueiros, os políticos”.

O que diferencia Calligaris de Halimi, e justamente por causa disso os torna tão essencialmente ligados e interessantes no antagonismo, é a análise da violência que toma conta dos movimentos revolucionários e que leva à eterna pergunta de saber se os meios justificam o fim.

Calligaris, ao citar a Revolução Iraniana, constata que “a ‘vontade geral’ se constrói sempre sobre os cadáveres dos que não concordam”. Refere-se mais explicitamente à opressão em sociedades como, por exemplo, a dos talibãs no Afeganistão, em que há uma mulher que “no porão, ainda está esperando para saber a que horas será apedrejada”.

Halimi, ao reconhecer a violência dos movimentos revolucionários, replica – a quem se escandaliza com os massacres da Revolução Francesa ou Russa, ou dos oficiais do exército de Chang Kai-chek na Revolução Chinesa – que também não se pode ocultar a fome sofrida pelo povo francês durante o Antigo Regime enquanto havia bailes na corte, em Versalhes; o massacre de manifestantes pacifistas em São Petersburgo em janeiro de 1905 pelos soldados de Nicolau II; e os revolucionários chineses queimados vivos nas caldeiras de locomotivas em 1927.

Entretanto, não se trata de um impasse, porque esse antagonismo vem essencialmente de diferenças prismáticas, naturalmente decorrentes do ponto de visto de cada autor.

Calligaris, com o olhar de psicanalista, declara que “o legado irrenunciável da psicanálise é sobretudo a necessidade de pensar nas pessoas uma por uma, sem ilusões e entusiasmos coletivos”. Halimi considera que “para quem a despreza, o erro principal da revolução não é a violência, fenômeno tristemente banal na história, mas, algo que acontece muito raramente, a mudança radical da ordem preestabelecida que acontece por meio de uma guerra entre possuidores e proletários”.

Entretanto, não vejo na reflexão de Calligaris uma negação da necessidade do coletivo, da mesma forma que não há nos comentários de Halimi nenhum rastro de sublimação de massacres politicamente justificáveis. Ambos defendem pontos de vista válidos.

Sinto nesses textos a necessidade de resgatar algo profundo do ser que não se encontra em nenhum modelo de sociedade atual e cuja falta se faz ainda mais crítica diante da crise que está abalando as principais economias mundiais. Trata-se de uma identidade do ser que está cada vez mais apagada e que precisa brilhar de novo no modo individual como no coletivo. Daí a necessidade de repensar a sociedade com ela existe hoje.

Tempos de crise mundial são igualmente tempos de crise pessoal. Tomara que desses milhares de crises individuais nasça alguma mudança coletiva, uma revolução que resgate também o valor do indivíduo dentro da coletividade. E de preferência, sem violência...

Coup de coeur ao Piano de Gogô

2009-05-05T13:10:00.000-07:00

A música brasileira instrumental sempre se beneficiou de grandes compositores e grandes intérpretes. Há de se convir que poucas músicas no mundo são tão diversificadamente ricas e múltiplas em raízes e harmonias.

Embora raramente midiatizada, ela continua vivendo graças a nichos de artistas e produtores que lutam por meio de incentivos privados para poder gravar discos e contribuir à preservação da memória cultural do país. Essas iniciativas têm que ser louvadas, e o público tem papel essencial nessa proposta ao assistir aos shows e comprar os discos (ou downloads pagos).

Assim, recomendo vivamente o CD O piano de Gogô, com direção artística de Thiago Cury e lançado no selo Água Forte, que tive a felicidade de descobrir (e comprar por menos de R$ 15 na Livraria Cultura! http://www.livrariacultura.com.br/) há uns dias atrás.

Gogô, apelido de Hilton Jorge Valente, é pianista, arranjador e professor com mais de 50 anos de carreira. Além de clubes noturnos em São Paulo e Rio de Janeiro, atuou notadamente ao lado de Dick Farney, Lúcio Alves, Nana Caymmi, Maysa, Dóris Monteiro. Desde 1990, é professor no Instituto de Artes da Unicamp, onde desenvolve uma tese de doutorado sobre as harmonias na música popular brasileira.

O CD O piano de Gogô é joia rara, um disco para se ouvir com o coração. Os arranjos primorosos, que mesclam com ótimo gosto influências do jazz, da bossa nova e da música erudita, servem perfeitamente ao repertório escolhido com raro discernimento e em que se destacam compositores preciosos como Dorival Caymmi, João de Barro, Jacob do Bandolim, Johnny Alf e Guinga. Participações brilhantes de músicos e cantores – entre os quais Nailor Proveta (compositor e arranjador do belo “Choro e bossa” que introduz o disco), Zeca Assumpção, o próprio Guinga (autor da lindíssima “Noturna” com letra de Paulo Cesar Pinheiro), Alaíde Costa, Zé Luiz Mazziotti (em uma interpretação emocionante de “Choro pro Zé”, parceria de Guinga e Aldir Blanc) e o conjunto de cordas Ensemble SP – dão ainda mais brilho a esse magnífico trabalho.

Quem quiser conhecer melhor esse lançamento imperdível poderá ler mais detalhes nos seguintes links: http://txt.estado.com.br/editorias/2008/12/18/cad-1.93.2.20081218.4.1.xml e http://www.otempo.com.br/otempo/noticias/?IdEdicao=1180&IdCanal=4&IdSubCanal=&IdNoticia=101445&IdTipoNoticia=1

Também disponível na rede uma entrevista de Gogô pelo programa Metrópolis da TV Cultura http://mais.uol.com.br/view/92db81ral8qx/metropolis--50-anos-de-carreira-do-pianista-gogo-0402336EC4995326?types=A

Massa domingueira

2009-05-03T19:30:00.000-07:00

Quem mora em São Paulo, mesmo que há pouco tempo, logo sabe que existe a tradição do prato de massa do domingo, influência da grande colônia italiana. Macarrão com frango assado... Nada melhor para juntar famílias e amigos à mesa.

Na minha terra (França), os domingos costumam ser mais dedicados a carnes refogadas ou ensopados, e as massas são substituídas por legumes.

O que nos une aos italianos é o gosto pelo bom vinho para alegrar a alma.

Mas minha vivência na terra da garoa me deu vontade de me atrever a preparar minha própria massa domingueira. Trata-se de uma variação da receita clássica de maccheroni all’arrabbiata. Receita clássica porque meu atrevimento não é tão grande que me permita criar do nada uma receita de massa “à italiana” sem mais nem menos, e variação porque esse mesmo atrevimento é suficiente para que eu queira dar um toque pessoal ao prato....

Em vez do frango, resolvi acompanhar este prato de deliciosas linguiças calabresas assadas na chapa. Enquanto assam, costumo regar um pouquinho as linguiças com o mesmo vinho que usei para o preparo do molho. Nada melhor!

INGREDIENTES (para 4 pessoas)

- 400 g de macarrão (penne ou rigatoni)
- 1,5 kg de tomates maduros
- 30 g de cogumelos morilles desidratados (na ausência de morilles, usar funghi porcini)
- 120 g de bacon fatiado em cubos grossos
- 2 cebolas médias picadas
- 3 dentes de alho picadinhos
- Queijo parmesão ralado
- Páprica
- 1 pimenta-malagueta picada (com sementes)
- 1,5 colher (sopa) de folhas de manjericão
- 1 colher (café) de alecrim
- 1 folha de louro
- 1 colher (chá) de salsa picada (para salpicar no final)
- Azeite de oliva
- Pimenta-do-reino
- Sal
- Vinho tinto (de preferência italiano)

PREPARO

Deixe os cogumelos na água fria o tempo suficiente para reidratá-los.

Mergulhe os tomates na água fervente para tirar a casca. Pique-os em cubinhos e retire as sementes.

Em uma frigideira com tampa (tipo wok), refogue os cubos de bacon para que fiquem ligeiramente dourados; reserve-os.

Após ter despejado a gordura de bacon da wok, refogue as cebolas, o alho e a pimenta malagueta junto com o louro no azeite, em fogo médio, até que comecem a suar.

Acrescente os tomates picados e deixe cozinhar em fogo baixo por mais 5 min, mexendo de vez em quando.

Pique miudinho metade das folhas de manjericão e junte-as ao preparo.

Retire os cogumelos da água, esprema-os para retirar o excesso de água e pique-os em pedacinhos; reserve a água.

Junte os cogumelos e deixe cozinhar por mais 10 min, mexendo de vez em quando.

Acrescente o bacon, dê uma mexida rápida e junte 1/3 da água de reidratação dos cogumelos. Deixe cozinhar por mais 5 min.

Acrescente o restante da água dos cogumelos, um cálice de vinho tinto, alecrim, sal, pimenta e páprica a gosto.

Deixe reduzir para que o molho engrosse e o álcool do vinho evapore.

Cozinhe a massa conforme as indicações do pacote (deixando-a al dente!).

Após coar a massa, junte-a ao molho. Acrescente as folhas restantes (inteiras) de manjericão e a salsa picada. Mexa devagar para que a massa incorpore bem o molho.

Sirva em seguida com o parmesão ralado.

A deliciosa leveza do ser

2009-04-30T16:26:00.000-07:00

Estou me deliciando com a leitura do livro de Danuza Leão Fazendo as malas (Companhia das Letras, 2008). Trata-se da narração bem-humorada de uma viagem que Danuza fez à Europa e de suas impressões ao passar por Sevilha, Lisboa, Paris e Roma. São dicas de restaurantes, hotéis, lugares charmosos e outros endereços para fazer compras que dão imediatamente vontade de fazer as malas e, com passo firme e cabeça erguida, partir à conquista do Velho Continente, brandindo o cartão de crédito e clamando “abre-te Sésamo!”.

Não se trata de um desses cansativos guias de sobrevivência de globetrotters que acham que viagem rima com mochila nas costas, tênis e bolsos furados, e carona. Nem de um guia turístico cheio de inumeráveis informações onomatopeicas de hotéis, museus e restaurantes.

A viagem que Danuza propõe é um elegante passeio pelas riquezas culturais, arquiteturais e pela culinária desses lugares. Longe de ser frívolo, esse livro é um percurso eminentemente saudável, que nos proporciona um reencontro com nossos cinco sentidos.

Aliás, há algo proustiano no périplo de Danuza, nesse retrato de certa mundanidade, porém sem pedantismo, nessa arte do savoir-vivre. E ao nos juntarmos à autora, para conhecer pela leitura os lugares que visitou, as pessoas que encontrou, as comidas que saboreou, encontramo-nos “num tempo da delicadeza”, talvez aquele mesmo dos versos da canção de Chico Buarque “Todo o sentimento”. E essa é a qualidade da autora, a de tornar a leitura do livro uma viagem em si, no país da leveza e da delicadeza, algo raro nos tempos atuais.

Além da imaginação

2009-04-28T11:02:00.000-07:00

Há uns dias atrás, li o artigo publicado por Brad Stone no New York Times do último dia 5 de abril intitulado ”Is this the future of the digital book?”, em que o jornalista esboça as perspectivas em relação às inovações na área editorial. Diante da crise que vem sofrendo o setor de publicação de livros, o mercado está revendo as formas de apresentação da matéria escrita.

O surgimento do livro eletrônico, hoje já comercializado em vários países no formato e-book com opções de download on-line, leva empresários e tecnólogos a se unirem para definir as novas configurações da mídia digital com o intuito de fazer do livro uma fonte de novas experiências, tornando o próprio e-book, no seu formato atual de simples meio de reprodução e divulgação de textos, algo logo obsoleto.

Assim, as novas perspectivas são de fazer com que o livro digital alie a clássica narração (ficcional ou não) a outros meios de comunicação, como vídeos ou Twitter, conectados a sistemas de leitura multifuncionais, como o iPhone, por exemplo, em que os leitores virtuais poderão interagir com a obra ou até tornar-se autores coletivos.

A combinação de textos, vídeos e redes de compartilhamento em uma única plataforma já está sendo preparada por várias empresas de tecnologia da informática, entre as quais a Vook (

www.vook.tv), cuja meta é providenciar em uma única ferramenta de distribuição soluções tecnológicas completas, com o objetivo de que a leitura se torne uma experiência mais rica e virtualmente compartilhada entre autores e leitores.

Ao eliminar de vez o caráter unidimensional dos livros no formato em que se encontram atualmente (seja livro físico, seja e-book), abrimos novas dimensões para a abordagem da narrativa (ficcional ou informativa) e da arte, em um debate que, a meu ver, vai muito além da questão prosaica, meramente redutora, de saber como driblar a perda de contato físico (prazeroso) com o objeto livro, seja tátil, visual ou olfativo (o estranho poder atrativo do cheiro do papel...).

Como declara Sara Nelson, consultora do setor editorial, entrevistada por Brad Stone: “Se você puser um vídeo dentro de um livro, ele deverá fluir de forma tão natural na história que os leitores nem percebam que estão mudando de meio de comunicação”.

Assim, não estamos mais no campo do conteúdo, mas no da forma. Deveremos mudar nossa abordagem do objeto “livro” até criarmos novas regras de utilização desse objeto de maneira que se tornem comportamentos naturais (ou seja, gestos inconscientemente executados) dentro de um fluxo informativo ou lúdico contínuo.

Mas, por outro lado, estamos diante de uma expectativa tão excitante quanto assustadora, porque nos conduz a mergulhar em um movimento irreversível de mudanças comportamentais que deverá nos levar progressivamente a relativizar ou até excluir do nosso vocabulário raciocinativo, intrinsecamente vinculado à noção de objeto, a palavra “livro”, da mesma forma que estamos progressivamente apagando o objeto “disco” de nosso cotidiano para substituí-lo por mp3 e download.

E, apesar de reconhecermos os efeitos positivos que essas mudanças estão trazendo para nós (a começar pelo fantástico crescimento da intercomunicação), não podemos deixar de sentir certa tristeza (mesclada ao medo da perda) ao desfazermo-nos aos poucos do sensório baseado na palpabilidade das coisas, o qual permanece por enquanto a matriz de construção de nossa perceptividade emotiva.

Aí surge a questão da recomposição de nossa afetividade mediante novos códigos de leitura ou novas ferramentas, em um futuro que já estamos conjugando no presente e que, por vezes, nos parece ainda distante, além de nossa imaginação. É um dos assuntos abordados pelo excelente livro O chip e o caleidoscópio – Reflexões sobre as novas mídias, obra coletiva organizada por Lucia Leão - Editora Senac SP (2005), que inclui notadamente o ensaio A interatividade e a construção do sentido no ciberespaço, de Eduardo Cardoso Braga, em que o autor declara: “A experiência do link não se resume à decodificação e construção de significativo cognitivo. Ela também é emoção, sentimento. [...] Os signos dispersos estão à espera de uma vivência e de uma nova organização construídas por um navegar que descobre e, ao descobrir, constrói o sentido”. http://www.lucialeao.pro.br/writings.htm

Play it again, Sam - Marquis de Sade - Dantzig Twist

2009-04-27T10:25:00.000-07:00

No meio dos anos 1970 o rock mudou de cara com a chegada do movimento Punk e, em seguida, de grupos que formaram o que se passou a designar como New Wave, em referência à Nouvelle Vague francesa dos anos 1960, por reinventarem o rock sessentista com acréscimos de influências mod, electro e funk. Entre eles, bandas com temáticas mais sombrias ou vinculadas à estética inspirada no Expressionismo alemão, como Siouxie and the Banshees, Joy Division ou Ultravox, mas também em correntes artísticas vinculadas à Pop Art e à cena nova-yorkina (principalmente as bandas descobertas no lendário clube underground CBGB).

Dessa profusão musical surgiram vários grupos e artistas na região de Rennes, na França, que acabaram por formar uma cena local com certa fama nacional que revelou pessoas que até hoje têm vez no panorama musical francês e europeu, como Etienne Daho.

Foi nesse contexto que apareceu o grupo Marquis de Sade, liderado por Philippe Pascal (voz) e Franck Darcel (guitarras), que, embora com carreira curta (1979-1981) e apenas dois álbuns lançados, tornou-se uma banda cult.

Com influências que mesclam judiciosamente artistas como Velvet Underground, David Bowie da fase berlinense, Talking Heads e até compositores clássicos como Erik Satie, Marquis de Sade lançou em 1979 seu primeiro disco, intitulado Dantzig Twist, pela EMI. O som intrigante do disco se destaca desde a primeira música, “Set in Motion Memories”. Linhas de baixo em evidência, acordes minimalistas de piano, solos raivosos e inebriantes de sax e tecelagem rítmica seca de guitarra de Franck Darcel constituem os ingredientes principais do clima de Dantzig Twist, aos quais se junta a voz de Phillipe Pascal, carregada de emoção (mas sem afetação).

As letras, em inglês, francês e alemão, destilam climas sombrios com temáticas vinculadas à angustia, às drogas, à submissão ou ainda à violência (assuntos bastante usuais na Europa inquieta do fim dos anos 1970), como em “Henry”, “Walls” ou “Skin Disease”. Cenários nevoentos em que se cruzam o fantasma de Conrad Veidt e espiões japoneses matizam canções como “Conrad Veidt”, “Japanese Spy”, “Nacht und Nebel”. Entretanto, o som de gravação ao vivo ou de garage band do disco desarma em parte esse lado mais opressivo e trás uma energia contagiante.

O fato é que essa estética musical tão peculiar, reforçada pelo desenho da capa do álbum, fez com que o grupo fosse indevidamente assimilado por alguns jornalistas ao fascismo, cuja ressurgência era notável nessa época social e economicamente conturbada. Porém, longe de qualquer fascistização, a banda retratava somente angústias comuns à juventude européia daquele momento e empregava uma estética então bastante corriqueira no visual das bandas punk e new wave.

No ano seguinte, Marquis de Sade lançou seu segundo e último disco, Rue de Siam, em que misturava elementos de new wave e funk com bastante complexidade musical. Menos impactante que o disco de estréia, porém com brilho inegável, o trabalho não agradou muito aos críticos e ao público, e a banda logo se separou. Philippe Pascal montou o grupo Marc Seberg, enquanto Darcel liderou a banda Octobre, que tiveram certa importância no cenário musical rock francês dos anos 1980.

Publicado originalmente em LP com 10 faixas, Dantzig Twist foi relançado em CD em 1989 com três faixas bônus. O disco hoje está fora de catálogo, mas as faixas estão disponíveis para download em sites de venda de música, além de o disco se encontrar em alguns sites de compartilhamento de arquivos e sites de sebos.

Para conhecer melhor o Marquis de Sade vá até: http://www.myspace.com/marquis2sade, que trás músicas e clipes ao vivo da banda.

A divina comédia - Da efemeridade dos fatos

2009-04-17T13:30:00.000-07:00

Ao entrevistar Caetano Veloso no último dia 15, para o lançamento de seu novo CD, Zii e Zie, Luiz Fernando Vianna, da Folha de S.Paulo, perguntou se a música “A base de Guantánamo”, incluída nesse disco, não arriscava à caduquice diante da decisão de Obama de desmontar a base e reduzir as restrições políticas e econômicas em relação a Cuba: http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u550845.shtml.

O cantor respondeu esclarecidamente: “A minha indignação não envelheceu, não pode nunca envelhecer. A canção não é uma noticia de jornal”...

A questão do obsoletismo da temática abordada por Veloso nessa canção e a resposta por ele dada à pergunta do jornalista levantam uma série de reflexões que, de certa forma, são intrinsecamente ligadas: 1) a natureza efêmera dos fatos do ponto de vista jornalístico e a consequente relativização de seu impacto a longo prazo; e 2) o esquecimento desses fatos e a negação de seu papel histórico e social como resultado dessa relativização.

É inegável que a proposta de Caetano Veloso vai além de uma simples denúncia do sistema carcerário de Guantánamo e das chocantes cenas de tortura e humilhação de prisioneiros políticos amplamente midiatizadas pela imprensa internacional durante o governo Bush. É também incontestável que o cantor não se limita a assinalar o simbolismo da violação dos direitos humanos pelos EUA em território cubano. Trata-se da manifestação do artista diante da contradição política de um sistema democrático que se veste da imagem de respeitoso e ardente defensor de valores vinculados aos direitos humanos, mas que utiliza as formas mais desprezíveis de desrespeito aos mesmos direitos humanos como manifestação de sua hegemonia.

Ora, o cantor não precisou fazer um discurso de sociologia política para expressar sua indignação. Pelo contrário, resumiu magnificamente sua reflexão em uma simples frase: “O fato dos americanos desrespeitarem os direitos humanos em solo cubano é por demais forte simbolicamente para eu não me abalar”, que ele repete ao longo da música como um leitmotiv. Porém, a relativização da letra de Veloso ao simples nível fatual constitui uma forma redutora de analisar o pensamento do autor.

Ao identificá-la como mera narração de um fato, corre-se o risco de limitar sua importância à sua pertinência jornalística, que, por natureza, é passageira, e implicitamente reduzir seu impacto a esse reduto de pertinência.

Assim, há uma negação implícita de toda dimensão maior (social, política ou simbólica) que a manifestação do artista possa ter, que a despe de seu brilho e de sua profundeza. Torná-la fatual faz com que ela verta também para o eventual, o corriqueiro, o fútil, o esquecível.

E, por extensão, existe o perigo latente de abrir uma brecha para sugerir a possível caduquice de toda obra, que, ao se referir a acontecimentos de determinada época ou situação, limitaria sua pertinência à duração dos eventos narrados. Então, por que não qualificar de caduca a música “Vai passar”, de Chico Buarque, já que decorreram mais de vinte anos desde o movimento “Diretas já” e o fim da ditadura militar? E para que ler o livro Arquipélago Gulag, de Alexandre Soljenítsin, se não existe mais União Soviética nem stalinismo?

Dessa forma, a limitação da compreensão do pensamento ao fatual logo se torna a justificação implícita do esquecimento coletivo que faz com que as novas gerações não saibam medir a importância sociocultural de inúmeros acontecimentos por falta de referencial histórico que lhes fale sobre esses acontecimentos.

O clipe ao vivo da música “A base de Guantánamo” pode ser visto no seguinte endereço: http://www.youtube.com/watch?v=rXJQTGix-gc; Caetano Veloso comenta a música no próprio blog http://www.obraemprogresso.com.br/2008/06/19/caetano-veloso-comenta-a-musica-base-de-guantanamo/

Tiê – Sweet Jardim

2009-04-16T13:13:00.000-07:00

A cantora paulistana Tiê acabou de lançar seu primeiro CD, Sweet Jardim, em que mostra em 10 faixas todo o seu talento de compositora e cantora. Após ter obtido o Prêmio Fico do Colégio Objetivo e estudado canto em Nova York, Tiê ingressou na banda de Toquinho e criou o projeto Cabaret, em parceria com Dudu Tsuda, que lhe deu certa visibilidade no meio musical de São Paulo.

Com delicadeza comovente, Tiê escreve canções cuja aparente ingenuidade é apenas um estojo para deixar fluir imagens e sensações realçadas por letras que contam histórias individuais e de relacionamento em que a cantora é quase sempre a protagonista. A instrumentação, principalmente com violão e piano, é desprovida de qualquer supérfluo para permitir uma melhor atenção do ouvinte às histórias que Tiê conta em sua voz afinadíssima. Trata-se de um trabalho extremamente intimista, que remete à tradição acústica da canção brasileira, mas também conversa com outros artistas internacionais que seguem esse caminho, como, por exemplo, Yael Naim.

Assim, como não sorrir carinhosamente ao ouvir o delicioso retrato que a cantora faz de si mesma na canção “Passarinho”: “Como um brotinho de feijão, foi que um dia eu nasci. Despertei, caí no chão e com as flores cresci. E decidi que a vida logo me daria tudo, se eu não deixasse que o medo me apagasse no escuro. Quando mamãe olhou pra mim, ela foi e pensou, que um nome de passarinho me encheria de amor. Mas passarinho, se não bate a asa logo pia, e eu, que tinha um nome diferente, já quis ser maria. Ah, como é bom voar”.

Que idéia genial ter realçado a música “Chá verde” com um “coro dos queridos” para lhe dar um clima mais festivo. Sem esquecer a deliciosa “Aula de francês” ou a belíssima “Assinado eu”, que introduz o disco e em que Tiê confessa: “Eu fico esperando o dia que você me aceite como amiga, ainda vou te convencer. Eu sei. E te peço, me perdoa, me desculpa que eu não fui sua namorada, pois fiquei atordoada, faltou o ar, faltou o ar. Me despeço dessa história e concluo: a gente segue a direção que o nosso próprio coração mandar, e foi pra lá, e foi pra lá”.

Dois sites oferecem maiores informações, além de músicas e vídeos da cantora: www.tiemusica.com e http://www.myspace.com/tiemusica

A divina comédia - A sina do ensino

2009-04-13T13:50:00.000-07:00

Foi com muito interesse que li, na Folha de SP de 08 de abril, o artigo de Marcelo Coelho sobre o filme Entre os muros da escola, de Laurent Cantet. http://marcelocoelho.folha.blog.uol.com.br/ Esse filme, que conquistou a Palma de Ouro em Cannes em 2008 e fez muito sucesso na França, seu país de origem, expõe sem nenhum disfarce a conturbada relação entre um professor e seus alunos em uma classe de um colégio público do 20º arrondissement (distrito) de Paris. Os conflitos são ainda mais exacerbados porque a classe é multirracial, composta por alunos de diferentes etnias, culturas e religiões (árabes, africanos, antilhanos, asiáticos, além de europeus).

Entretanto, se o sociólogo e jornalista reconhece que “uma política centrada nas ‘diferenças’, nas ‘identidades’ sem dúvida terminaria fragmentando demais a sociedade”, constata também “uma falta assustadora de flexibilidade e de afeto” que “destrói por dentro aquele sistema educacional organizadíssimo – e cego para as necessidades de cada ser humano, aluno ou professor”.

A meu ver, a análise de Coelho não deixa de ser pertinente, embora não contemple todos os fatos históricos e culturais que levam o sistema educacional francês ao colapso apresentado no filme.

É imprescindível lembrar que o ensino fundamental francês é enraizado nos princípios de um sistema educacional laico elaborado no fim do século 19. De fato, vigora até hoje a idéia segundo a qual a escola deve ser “gratuita, laica e obrigatória”, defendida por Jules Ferry, ministro da Educação e presidente do Conselho da Terceira República da França entre 1879 e 1885. Além disso, a “instrução” (e não a “escolarização”) tornou-se obrigatória. Isto é, independentemente do lugar em que estiverem estudando, todas as crianças deverão obrigatoriamente passar pelo funil de um ensinamento padronizado de normas e matérias que incluem, entre outras, a instrução cívica e moral.

No filme de Cantet, podemos perceber o quanto essas regras de padronização do sistema educacional continuam totalmente aplicadas hoje. Assim, o professor parece incapaz de fugir dos moldes e limites do programa educacional obrigatório definido pelo Ministério da Educação, e tenta “ensinar” a poesia de Rimbaud a alunos que mal conseguem se expressar em um francês básico se este não for temperado por gírias e expressões que servem como parâmetros de identificação tribal (ou seja, de alcance ainda menor do que se fossem expressões étnicas) e são totalmente desprovidas da possibilidade de comunicação e/ou intercâmbio com quem não for membro da tribo.

(elenco do filme Entre os muros da escola)

Por outro lado, e como o destacou judiciosamente Coelho, quando se percebe um começo de comunicação, ou seja, quando “uma pequena luz brilha nos olhos do aluno indolente”, mesmo que hesitante, ela é imediatamente apagada pela retórica intragável do sistema educacional e das ferramentas socioeducativas de que se serve o professor. O despertar do interesse nunca será visto ou reconhecido como o primeiro sopro de criatividade ou o primeiro passo de um crescimento individual, mas deverá imediatamente atender à cobrança comportamental do estudante para se tornar bom aluno, isto é, aquele que absorve as informações recebidas – e nelas se espelha – no intuito de apresentar resultados satisfatórios dentro dos critérios acadêmicos de avaliação de desempenho. Esse conceito é invariavelmente destinado a fracassar.Contudo, há de se perguntar se o fracasso do sistema educacional retratado pelo filme é intrinsecamente vinculado ao meio socioeconômico em que se ministra o ensino, ou se podemos generalizar esse insucesso ao sistema como um todo.

É incontestável que os maiores conflitos registrados no sistema educacional francês acontecem principalmente em instituições de ensino que atendem meios socialmente críticos ou se situam em regiões economicamente desfavorecidas. Outros cineastas antes de Cantet narraram as dificuldades e os conflitos vividos por professores e alunos, como, por exemplo, Bertrand Tavernier em Quando tudo começa (1999). Por sua vez, o filme de Cantet mostra de forma clara que a impossibilidade de comunicação que existe entre professor e alunos também é flagrante entre os próprios alunos, e atinge o núcleo familiar desses jovens. Aí a incomunicabilidade se torna um fator agravante porque generalizado, que transborda os muros da escola para atingir a sociedade como um todo. Percebemos muito bem esse problema na cena em que a mãe de um aluno, africana, convocada a comparecer perante o conselho de disciplina da escola que vai decidir sobre a possível expulsão de seu filho, precisa do auxilio desse mesmo filho (ou seja, do acusado) para entender o que lhe está sendo dito e perguntado, pelo simples motivo de que ela não fala uma só palavra de francês (e, por extensão, não entende o que está fazendo nessa reunião, nem a importância sociossimbólica desse conselho dentro da estrutura educacional francesa).

Agora, ao assistirmos ao filme A bela Junie (2008) de Christophe Honoré, não percebemos os mesmos conflitos. Não somente porque o roteiro não trata desse assunto, mas porque a história se passa em um colégio de um dos arrondissements mais ricos da Paris, cujos alunos pertencem todos a famílias de classe A ou B e não parecem ter problema de identificação com os programas de ensino dessa escola, em que são até ministradas aulas de italiano e organizadas viagens culturais internacionais. Dessa forma, mesmo que o filme retrate crises pessoais e existenciais, de modo algum se percebe, entre alunos e professores, qualquer zona de conflito que se fundamente em uma incompreensão das matérias ensinadas ou que seja resultado da impossibilidade de comunicação entre os vários grupos distintos e constitutivos do núcleo escolar em que se desenrola a trama.

Percebemos assim, em outras palavras, que a adequação do sistema educacional às aspirações e metas de determinados grupos socioeconômicos (e, consequentemente, culturais) depende da identificação desses grupos com o formato e o conteúdo do ensino.

Então, a escola que não for dinâmica, flexível e progressista corre o risco de não ser a matriz que servirá para moldar as futuras gerações às necessidades evolutivas da sociedade. Pois a França, por ter-se transformado em uma sociedade multirracial (com a migração em massa de diferentes etnias devido ao fim do colonialismo nos países da África e também em razão dos fatores socioeconômicos da Europa oriental e mais recentemente da Ásia), deve continuar a adequar progressivamente seu sistema educacional para responder às mudanças geradas por essa evolução.

De outro modo, a escola que se tornar uma simples incubadora, cuja função for meramente assegurar a transmissão inabalável, controlada e predeterminada de estigmas socioculturais de identificação de determinado grupo como se fosse uma preciosa herança, acabará por fracassar quando se deparar com algo (ou alguém) fora dos padrões. Consequentemente, quem não pertencer a esse grupo deverá adaptar-se, a todo custo, ou será descartado, porque o maquinário atende padrões determinados pelo grupo dominante.

Dessa maneira, entendemos melhor a origem dos conflitos retratados pelo filme de Cantet, principalmente no que diz respeito à impossibilidade de o professor (e de todo o sistema escolar, nele representado) se comunicar com alunos que são nada menos que os componentes da futura sociedade francesa.

Por outro lado, percebemos no filme o quanto esses componentes da futura sociedade também são contraditórios, fragmentados e geradores de conflitos. E podemos vislumbrar objetivamente os motivos que levam o sistema educacional a não ser tão flexível e evolutivo, como se, pela rigidez que demonstra, fosse o guardião simbólico da coesão nacional.

Portanto, diante da dificuldade de reversão desse quadro ou de soluções que emanem do sistema educacional em si, outras saídas tem sido tentadas. Como acontece de forma cada vez mais corrente não somente na França mas no nível mundial, soluções diferenciadas de educação têm sido encontradas em estruturas nem estatais nem acadêmicas (como associações, ONGs, etc.) que oferecem formas alternativas, flexíveis e poligonais de ensino, mais adequadas às demandas da sociedade plural.

Afeto na arte e arte da afetação

2009-04-08T11:09:00.000-07:00

Acabou de ser lançado na Europa o 1º disco do cantor francês Sliimy, intitulado Paint Your Face. Sliimy ficou conhecido por ter regravado e divulgado pelo site YouTube, a exemplo de Lily Allen, a canção “Womanizer” de Britney Spears. Recentemente, fez seu coming out na televisão francesa e sua orientação sexual está nitidamente celebrada ao longo desse disco. Entretanto, mesmo que tudo isso não passe de uma hábil campanha de divulgação, há de se reconhecer que esse primeiro trabalho é muito agradável. Cumpre totalmente sua tarefa de ser um disco perfeito para alegrar a chegada da primavera européia ao misturar com certo êxito os ingredientes musicais e figurativos que fizeram o sucesso dos primeiros trabalhos de Mika e Lily Allen (definitivamente uma referência para Sliimy). Vejam o clipe bem divertido do primeiro single, ”Wake up”, no seguinte endereço: http://www.youtube.com/watch?v=pccguTaYDLQ&feature=related

Todavia, voltando às declarações de Sliimy que repercutiram positivamente para a divulgação do disco, há de se reconhecer que a arte da afetação sempre foi uma forma recorrente de expressão do afeto na arte. E se a evolução da moral e dos costumes, embora ainda imperfeita, permite e favorece a revelação da orientação sexual (mesmo que ainda reservada a certa “elite” sócio-econômico-cultural e ritualizada pelo coming out batismal), sempre houve uma absolvição subjacente do público para quem se vestisse de uma aura de afetação no intuito de representar sua arte e, consequentemente, transmitir suas emoções.

E se os reis europeus da Renascença e do Século das Luzes não hesitavam em enfeitar-se com joias, plumas, bordados, perucas, além de maquilagem, em uma ostentação de poder e riqueza teatralizada de forma pavonesca, alguns de nossos astros atuais, independentemente da expressão artística que escolheram, utilizam-se de símbolos semelhantes a fim de convidar a audiência a coroá-los e até sacralizá-los por meio de rituais pagãos, como é caso de Ney Matogrosso, Cauby Peixoto, John Galliano ou Freddie Mercury, entre outros.

Justamente porque a representação teatralizada dessa coroação funciona como um artefato que desnatura o próprio ato, ou seja, torna-o não natural e meramente representativo e simbólico, há uma aceitação ampla da afetação por parte do público, que vai além de todos os preconceitos sexuais e desarma qualquer ironia ou zombaria. Por outro lado, essa afetação, por ser ousada, funciona como uma rebeldia moral e sexual transgressiva com a qual o público se identifica de forma prazerosa.

Se seguirmos esse raciocínio como vetor, ao percorrermos as variantes da expressão da afetação dentro do ritual da representação artística, perceberemos que, por trás das diferentes formas de representação, existe uma analogia na finalidade do ato que é apenas a manifestação apurada do afeto por meio da arte.

E finalmente, ao se utilizar da afetação, o artista mostra seu afeto, despindo-se aos poucos, até ficar nu diante do público. E assim, ao mostrar sua própria nudez por meio da afetação, que em si é uma forma exacerbada da manifestação da emoção, ele acaba por magnificar sua própria emoção e conquistar o afeto do público em retribuição a esse ato de total entrega.

Para outras informações, recomendo os seguintes sites: http://www2.uol.com.br/neymatogrosso/; http://www.cauby.com.br/; http://www.mikasounds.com/; http://www.myspace.com/sliimy; http://www.johngalliano.com/

Contagem regressiva...

2009-04-08T10:03:00.000-07:00

Em 8 de maio, daqui a exatamente um mês, estreia simultaneamente nos cinemas do Brasil e dos Estados Unidos o novo Jornada nas estrelas. Após certo desgaste da imagem da franquia, que levou os produtores a suspender qualquer outro projeto por alguns anos, o novo filme, dirigido por J. J. Abrams (entre outros, produtor de Lost e diretor de Missão: impossível III), promete surpreender tanto pelo aspecto visual, com incríveis efeitos especiais, como pelo fato de ser uma prequel ou gênese da primeira série televisiva, que pretende narrar a iniciação de James T. Kirk na Academia da Frota Estelar e as aventuras que fizeram com que se tornasse capitão da nave USS Enterprise.

Obviamente, não faltarão também os demais membros da tripulação original, como Spock, o Dr. Leonard McCoy e a bela Uhura. Como fã de carteirinha da franquia, eu não podia deixar de anunciar essa contagem regressiva, e estou torcendo para que o filme seja um êxito, dando início a novas sequências e séries!

Para maiores informações, nada melhor que o site oficial do filme com trailers, inclusive em formato HD, galeria de fotos, etc.: http://www.startrekmovie.com/

Vida longa e prosperidade!

Limão na salmoura

2009-04-07T13:38:00.000-07:00

Trata-se de uma receita tradicional de conserva dessa fruta. O limão na salmoura é muito utilizado em receitas do Norte da África, principalmente de Marrocos, e faz parte dos ingredientes da receita de tajine à brasileira que publiquei neste blog. Fácil de preparar, também dá um toque especial a outras receitas, notadamente de frango, peixe ou até saladas.

Antes do preparo, verifique se os limões cabem no vidro. Do contrário, reduza a quantidade de limões e demais ingredientes proporcionalmente ou divida a preparação em mais vidros.

A pimenta-do-reino é facultativa, mas eu a recomendo porque dá um toque especial ao preparo. Deve ser triturada ou apenas grosseiramente moída.

Ingredientes

- 8 limões sicilianos orgânicos
- 1 recipiente de vidro de 500 ml com tampa, fervido e esterilizado
- 80 g de sal grosso
- 1 colher (sopa) de coentro em grãos
- 1 colher (sopa) de pimenta-do-reino em grãos triturados ou grosseiramente moídos
- 1 colher (chá) de pimenta-branca em grãos
- sumo de 1 limão
- ½ litro de água fervida morna

Preparo

Mergulhe o vidro durante 15 min em água fervente para esterilizá-lo.

Esprema um limão e reserve o sumo.

Lave os limões restantes, esfregando-os com uma escova (se os limões não forem orgânicos, recomendo que sejam mergulhados alguns instantes em água fervente para eliminar qualquer rastro de agrotóxicos).

Com uma faca bem afiada, faça quatro incisões iguais, em forma de gomos, na casca de cada limão, sem chegar às pontas da fruta nem à polpa.

Com a ajuda de uma colher, preencha delicadamente cada fenda com sal grosso e pimenta-do-reino triturada, indo do centro até as pontas.

Coloque os limões no vidro junto com os grãos de coentro e de pimenta-branca. Acrescente o sumo de limão.

Cubra os limões com a água morna e coloque algum objeto (como uma xícara, por exemplo) sobre eles para fazer peso. Se necessário, esterilize antes esse objeto.

Feche bem o vidro e deixe descansar por 3 ou 4 semanas, antes de usar.

Esse tal de rock’n’roll

2009-04-01T10:23:00.000-07:00

Ao folhear a revista Monet de abril na esperança de encontrar alguma novidade ou curiosidade que não fosse o anúncio da milésima reprise de histórias de bruxinhos ingleses ou heróis americanos aracnoides, deparei-me com a entrevista do veterano roqueiro Gene Simmons, da não menos veterana banda Kiss.

Surpreendi-me ao ler com certo interesse esse rápido bate-papo, não que eu seja, nem de longe, aficionado desse grupo, cujas músicas com cadência de square dance, guitarras estridentes e letras primárias, tocadas em ambiente de Circo Máximo, com direito à pirotecnia e cuspes de sangue, nunca me empolgaram. Pois bem. No fim da entrevista, Gene Simmons declara que o rock morreu no sentido de que bandas como Nirvana ou Soundgarden, que lideraram o movimento Grunge, apesar de incontestável qualidade musical, teriam afugentado a molecada desse gênero musical ao se apresentarem no palco feito mendigos. Simmons considera que a juventude, na busca de novos heróis, teria migrado para o rap, cujos ídolos seriam, de certa forma, os últimos representantes do imaginário rock feito (nas palavras dele) de “carrões, garotas peitudas a tiracolo e cordões de ouro no pescoço”.

Embora redutora, há de se reconhecer certo valor na análise de Simmons. Não no que diz respeito ao fim do rock em si, mas à sua inevitável evolução e, consequentemente, às mudanças relativas a seus valores, seu imaginário e seu público.

É incontestável que os clipes de rap ou hip-hop apresentados por canais musicais como MTV utilizam, de forma quase sistemática, elementos como carros esportivos ou limusines, garotas com formas mais do que vantajosas, mansões, joias, festas, bebidas, drogas em uma duvidosa luxúria. Cantores de rap e hip-hop gostam de exibir músculos, relógios, dinheiro ou qualquer outro artefato que possa lhes dar certo estatuto social de novos ricos deslumbrados, como no clipe de 50 Cent "Window Shopper http://www.youtube.com/watch?v=74nylouvtYc, por exemplo, inclusive e principalmente se esse estatuto se prevalecer de amizades com a bandidagem (ver nesse sentido o clipe "Go DJ" de Lil Wayne http://www.youtube.com/watch?v=u3dIP1jnu4Q). As cantoras, por sua vez, são provocantes e oferecidas, para não dizer devassas, e ostentam igualmente joias, roupas de grife e carros esportivos.

O rock, por outro lado, tende a mostrar uma face mais respeitável e comportada, e não é de surpreender que as bandas mais conceituadas de hoje, tanto pelo público quanto pela crítica especializada, como Radiohead ou TV On The Radio, estejam mais preocupadas com temáticas vinculadas aos direitos humanos ou ao aquecimento global do que com o esbanjamento de riquezas e atributos.

Ora, se voltarmos à essência do imaginário que o rock representou durante várias décadas, desde os requebros eróticos de Elvis até a trajetória trágica de Kurt Cobain, passando pelas viagens “iniciatórias” dos Beach Boys ou dos Beatles, devemos reconhecer que essa vertente da música se espelhou em revoluções sociais, sexo, drogas, bebidas e muito dinheiro.

Mas parece que estou falando de outros tempos, narrando fatos históricos que não condizem mais com nossa realidade. Será isso mesmo? O rock e seu imaginário são fatos históricos a serem compilados em enciclopédias e visitados em museus ou apenas houve um deslocamento de valores e comportamentos de uma corrente musical para a outra?

A meu ver, houve uma recuperação, pela turma do rap e hip-hop, de um folclore que não pertence obrigatoriamente ao rock ou a qualquer outra corrente musical, mas que diz respeito à idade dessas correntes. Ou seja, o imaginário vinculado à aquisição inebriante de certo poder representado por bens materiais, sexo, drogas ou qualquer comportamento que seja a manifestação simbólica e provocadora de insubordinação em relação a normas preestabelecidas e por essência restritivas é apenas uma fase evolutiva da manifestação artística.

Afinal, podemos ver semelhanças muito claras de comportamentos entre a representação do imaginário rock e o do rap.

Por exemplo, como podemos julgar com desdém a representação das mulheres nos clipes de rap atuais e não lembrar que há quase 30 anos os Rolling Stones ilustravam a música “She was hot” http://www.youtube.com/watch?v=GwRLy_nD7mg com uma garota que cuspia fogo pelo traseiro? Nada mais machista! Ademais, esse clipe é em si uma síntese de todos os elementos simbólicos dos clipes de rap atuais, como mansão com decoração cafona, bebidas, fumo e sexo. Aliás, na mesma época, garotas peitudas e pouco vestidas rebolavam à vontade nos clipes de bandas de rock como Van Halen. No encarte do disco Jazz, o Queen fez a apologia de garotas de bumbuns grandes andando nuas de bicicleta (que bom gosto!), enquanto Elton John ostentava sem nenhum pudor propriedades, roupas e joias, como no clipe da música "I Still Standing" http://www.youtube.com/watch?v=EpSwO0aJKHA.

Da mesma forma, como podemos julgar negativamente a perdição de uma Amy ou Britney e não lembrar as loucuras de um Keith Moon, as bizarrices de um Syd Barrett, as provocações de um David Bowie ou de um Johnny Rotten? E como criticar a juventude que se identifica com Tupac Shakur, símbolo e mártir do gangsta rap, se, em outros tempos, sentimos também alguma identificação com Syd Vicious, símbolo e, de certa forma, mártir do movimento Punk?

E não há como limitar essa análise ao rock e o rap, já que, como eu disse antes, trata-se de manifestações comportamentais que dependem da idade da própria corrente musical, dos seus representantes e do seu público. Assim, vale a pena lembrar, por exemplo, que em outubro de 1955 o público do Olympia, em Paris, quebrou as poltronas ao enlouquecer com o suingue do saxofonista americano Sidney Bechet. Que Billie Holiday se entregou fatalmente às drogas bem antes de Hendrix saber tocar os primeiros acordes de guitarra. Já em 1877, a ópera Sansão e Dalila, de Saint-Saens, por ser considerada provocadora (e, portanto, ofensiva), foi vaiada pelo público, assim como o foi Villa-Lobos na Semana de Arte Moderna de 1922, no Municipal de São Paulo. E quem não se lembra da rebeldia protopunk de Mozart, admiravelmente retratada por Milos Forman em Amadeus?

Sendo assim, não há porque declarar que o rock morreu. Ele apenas se tornou coisa de gente grande, ou seja, ele atingiu outro patamar dentro da história da música, veste-se agora de outros valores e manifesta novos comportamentos. Isso se mostra claramente na escolha unânime do Radiohead como melhor banda de rock atual. Aliás, disserta-se muito sobre a verdadeira natureza da música desse grupo cujas influências musicais são múltiplas e que, por sua vez, influencia também outros artistas, entre os quais músicos de jazz como Brad Mehldau. E ao ver o público do show do Radiohead, percebemos verdadeiro êxtase, quase místico ou religioso, mas também uma grande atenção, quase reverencial, que faz com que essa audiência se aproxime mais do que poderíamos esperar de um público de jazz ou de música clássica.

E enquanto eu estava elaborando a presente matéria, li com muito interesse a crônica de Álvaro Pereira Júnior no caderno Folhateen da Folha de SP de 30 de março, em que ele fala de duas revistas dedicadas à música, a americana Blender, que está morrendo, e a inglesa Word, que vê seu público crescer significativamente. O mais interessante é que a revista Word é destinada a um público acima de 35 anos de idade, enquanto a outra é mais dirigida ao público da faixa de 18 a 34 anos. Além da conclusão mordaz sobre “revistas de moleques e de tiozinhos”, o que me chamou a atenção nesse artigo é o comentário do jornalista sobre os motivos que o levam a gostar muito da revista Word: “São caras mais velhos que acompanham bem de perto tudo o que acontece, sem embarcar cegamente no último hype. Atualizados e adultos ao mesmo tempo. Minha praia”.

Esse comentário, além de ir ao encontro do artigo que escrevi sobre ser ou não ser antenado e a necessidade compulsiva de armazenar informação, http://metreno.blogspot.com/2009/03/divina-comedia-ignorantus-ignoranta.html confirma plenamente o que acabei de desenvolver, ou seja, que o rock está seguindo naturalmente um processo de amadurecimento no qual redefine valores e comportamentos que vão ao encontro da evolução igualmente natural de seu público.

À flor da pele

2009-03-29T12:12:00.000-07:00

Melody Gardot acaba de lançar seu 2º álbum, My One and Only Thrill, pelo selo Verve, e supera todas as expectativas que seu 1º trabalho, Worrisome Heart (2007), havia despertado.

Melody Gardot nasceu em New Jersey, em 1985. Em 2004, ainda estudante, foi vítima de um grave acidente de trânsito que a obrigou a ficar hospitalizada por alguns meses e lhe deixou sequelas permanentes. Durante sua hospitalização, e como terapia, ela desenvolveu um gosto natural pela composição musical, e ao receber alta, gravou seu 1º EP, Some Lessons. Em 2007 viria o aclamado disco de estréia, Worissome Heart, produção independente que, diante do sucesso, acabaria sendo relançada pela Verve.

My One and Only Thrill é joia rara. É um disco que, ao nascer, já se tornou clássico. Nesse trabalho, as influências de Gardot se encontram reunidas em uma junção impecável entre o cool jazz, o blues mais introspectivo e a chanson. O disco apresenta, entre outras, 10 composições originais da cantora, construídas na base de sensações, percepções, deixando as emoções à flor da pele, de forma a criar o thrill (arrepio) que dá nome ao disco. Esse frisson se deve também à combinação perfeita entre a base musical de piano, baixo, bateria e sax tenor e os estupendos arranjos de cordas de Vince Mendoza, que dão à obra um clímax quase cinematográfico, digno dos melhores trabalhos de Gordon Jenkins e Johnny Mandel.

Ao escutar My One and Only Thrill pela 1ª vez, reencontrei de imediato emoções que senti na descoberta de obras a meu ver tão essenciais quanto: Focus de Stan Getz ou Here’s To Life de Shirley Horn. Trata-se, de fato, de uma rara reunião de talentos que, ao se entregarem à mais delicada emoção, criaram um disco excepcional, daqueles que tomam imediatamente seu lugar no íntimo do ouvinte.

Quem quiser conhecer melhor a obra de Melody Gardot e ouvir faixas do novo disco pode acessar http://www.myspace.com/melody

ou o site da gravadora Verve:
http://www.vervemusicgroup.com/artist/releases/default.aspx?pid=12010&aid=7293

A divina comédia - Ignorantus, ignoranta, ignorantum!

2009-03-25T12:52:00.000-07:00

(cena de O doente imaginário de Molière)

Ser ou não ser antenado? Eterno dilema. Estar por dentro do babado, do hype. Grande preocupação para quem busca espelhar-se em reflexos alheios, em uma vã procura pela própria identidade.

Frequentemente, deparo-me com matérias, comentários, resenhas, críticas de pessoas que se pretendem antenadas e que usam isso como se fosse sinônimo de certo estatuto. Como se o fato de ter ouvido falar, ter visto, ter lido fosse uma alavanca social, desvinculada de qualquer apreciação do valor do conteúdo. Como se o conhecimento se medisse por volume, tamanho, e não qualidade. Como se a informação fosse uma comida pronta vendida por quilo.

De fato, há de se reconhecer que os novos meios de comunicação e principalmente a internet, ao acelerar e ampliar a propagação das notícias, são ferramentas válidas e essenciais para que a informação atinja um número cada vez maior de pessoas.

Entretanto, estamos de novo falando de velocidade, tamanho, números, e não de qualidade. Os blogs (entre os quais este aqui) são outra fonte de comunicação, porém nem sempre bem utilizada seja por seus criadores ou seus seguidores.

É insuperável o fato de que, em uma época em que a pressa prima sobre a paciência e a falta de tempo vem constantemente abocanhar pedacinhos de nossa predisposição para o ócio, deparamo-nos com uma emergência informativa que nem sempre sabemos enfrentar, organizar ou assimilar.

Mas como essa emergência se tornou a pulsação que parece nos mover, nos levar adiante, acatamos a tudo e qualquer coisa para não parecermos incultos ou defasados. Há uma síndrome de pânico, um temor de parecer ou ser dedado como ignaro.

Ignorantus, ignoranta, ignorantum!, exclama Toinette em referência à hipocondria desatinada de Argan no Doente imaginário de Molière. Vemos, nessa ironia, que o pavor da ignorância não vem de hoje, sempre fez parte dos medos íntimos do homem, sempre foi motivo de desprezo, zombaria e rejeição social. Todavia, tornou-se certamente ainda mais relevante à medida que a cobrança do conhecimento veio se fortalecendo junto à aparição de novos meios de divulgação da informação, cada vez mais velozes, poderosos e eficientes.

E há realmente que louvar essas novas tecnologias e reconhecer que são até requintes cujos recursos mal sabemos utilizar. Há também que exaltar os tempos atuais no que oferecem em termos de informação, conhecimento, compartilhamento, formas diversificadas e ricas de expressão.

Mas ao mesmo tempo devemos nos redimensionar diante da imensidão informativa, nos situar, e reconhecer nosso próprio limite. Não de maneira submissa, mas de forma justa e desprendida. Ao dimensionarmos nossos limites, ao nos enxergarmos como seres que têm fim, podemos finalmente aprender a respeitar o incomensurável.

E ao respeitar o que é infinito, conseguiremos redirecionar nossa busca da informação, primando pela qualidade e pelo aprofundamento no que nos interessa ou nos dá prazer, em vez de engolir avidamente, de uma só bocada, iguarias ou dejetos, com um frenesi cego e insaciável, em nome de um suposto estatuto, de um reconhecimento social ou uma identificação tribal.

Play it again, Sam - Lodger - David Bowie

2009-03-24T15:44:00.000-07:00

Nos dias de hoje, em que o virtual se tornou algo concreto, esquecemos que as sensações, na sua essência, quase sempre precisam do suporte físico, do objeto, do palpável. Assim, podemos louvar os tocadores de mp3, mp4 ou outra nova tecnologia que aparecer, por permitirem ouvir música em qualquer lugar, a qualquer momento. Porém, duvido muito que possamos sentir mais prazer ao tentar decifrar na telinha do iPod o nome da banda e o título da música que pegamos ontem em um site de compartilhamento de arquivos do que ao escutar Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band ou ainda The Beggar's Banquet com a capa do disco na mão, acompanhando as letras das canções e olhando para a cara do Paul, do John ou do Mick.

Daí a idéia que tive de compartilhar neste espaço virtual as emoções (ainda palpáveis!) que senti ao descobrir certos discos na época em que ainda eram carinhosamente chamados de “bolachas”. Alguns podem ter caído no esquecimento, porque têm a cara de certa época, ou exatamente porque não tinham a cara daquele momento. Outros podem não ser os melhores, ou os mais conceituados de tal ou tal artista, mas trazem à minha mente lembranças prazerosas. São tesouros que merecem ser resgatados. É mel para os ouvidos, é licor para o coração. Por isso, espero que esta matéria provoque em vocês a vontade de descobri-los, mesmo que seja através de download, em mp3, para tocar no computador...

Lançado em maio de 1979, Lodger é até hoje considerado o 3º opus da trilogia berlinense de David Bowie, cujos outros títulos são Low (1977) e Heroes (1978). Trata-se de certa forma de um equívoco, já que esse disco foi gravado em Montreux (Suíça) e em Nova York – e não em Berlim –, e não reproduz o formato e o clima dos dois trabalhos precedentes, que se caracterizavam pela divisão entre faixas (e lados do vinil) cantadas e instrumentais, e a influência de artistas como Kraftwerk e Neu!

Entretanto, por ter sido Lodger igualmente produzido por Tony Visconti e Brian Eno, e conter construções musicais que remetem aos trabalhos anteriores, logo houve comparações e nem sempre a favor deste disco, que segundo certos críticos seria o mais fraco dos três. Discordo dessa opinião, já que a meu ver trata-se de uma obra bem diferente e única em vários aspectos.

Primeiro, há de se notar uma nova vertente de influências percussivas e étnicas, não muito comuns na obra de Bowie, como em “African Night Flight” (em que Brian Eno programa os teclados em sequências – loops – para simular ruídos noturnos da selva), ou ainda “Yassassin” (“longa vida” em turco).

Depois, o tema da viagem, do deslocamento, da falta de residência fixa é constante neste disco, por se encontrar não apenas no próprio título (“locatário”), mas também na capa – em que Bowie aparece em uma foto em formato de cartão-postal endereçado à própria gravadora, com o corpo contorcido e ferido, em um banheiro de hotel – e igualmente no tema e nos arranjos de títulos como “Fantastic Voyage” e “Move On”.

De fato, a utilização de loops nos teclados, como eu dizia mais acima, constitui uma base constante na construção das músicas de Lodger, em que a repetição sequencial acaba por criar uma base rítmica percussiva quase hipnótica, como, por exemplo, nas faixas “Repetition” ou “Red Money”. Nesta última, há de se notar a participação do guitarrista Reeves Gabrels, músico preponderante no desenvolvimento do trabalho de Bowie nos anos 1990. Por sua vez, Brian Eno seguiria essas experimentações logo depois em parcerias com David Byrne.

Outras faixas, finalmente, têm inspiração mais rock ou funky, como “Boys Keep Swinging”, “Red Sails” ou “D.J.”, com a presença marcante de Carlos Alomar ou Adrian Belew, e são premissas do Bowie dos anos 1980, em que ele se tornaria um astro mundialmente popular com músicas como “Ashes to Ashes”, “Fashion” ou ainda “Let’s Dance”.

Por esses motivos, penso que Lodger é sem dúvida um disco importante na obra de David Bowie, tanto por sua riqueza musical quanto pelo fato de se situar no cruzamento entre o experimentalismo dos anos 1970 e a consagração dos anos 1980, e por desenhar os primeiros contornos de Scary Monsters (1980), uma das obras pioneiras e fundamentais do rock dessa década.

Para saber mais sobre Lodger: http://www.teenagewildlife.com/Albums/Lodger/Title.html.

Recomendo também o excelente livro de Loïc Picaud - David Bowie et le rock dandy - Hors Collection Editions: http://www.evene.fr/livres/livre/loic-picaud-david-bowie-et-le-rock-dandy-25541.php, ou ainda a biografia muito completa e documentada de Jérôme Soligny http://www.evene.fr/livres/livre/jerome-soligny-david-bowie-9337.php.

Finalmente, acabou de ser lançada uma versão remix da faixa "D.J." pelo DJ Benny Benassi e que pode ser ouvida no site de David Bowie: http://davidbowie.com/news/index.php?id=20090309/.

Pernil à moda caseira

2009-03-23T11:26:00.000-07:00

Pernil à moda caseira
(para 4 pessoas)

Observações

Não suporto mais ouvir críticas a respeito da carne suína. Que eu saiba, é muito mais saudável e suculenta que a da maioria dos frangos empilhados nas prateleiras dos supermercados, cuja cor amarelo-pálida, banhada na luz das embalagens de isopor, é um convite a nos tornarmos vegetarianos extremistas. E nem toda carne suína é gorda, basta escolher pedaços mais magros!

Sem querer desprezar os grandes restaurantes e chefs ilustres, cuja criatividade e sabedoria na arte culinária são insuperáveis, deve-se reconhecer que não há nada melhor que uma boa comida caseira, daquelas que trazem à mente lembranças da infância, que são perfeitas para juntar amigos à mesa, que se saboreiam com bons vinhos e muitos risos.

A seguinte receita, de criação própria, foi exatamente pensada com este intuito, de levar um sorriso ao rosto e alegria ao coração. Espero que gostem.

Para quem curte boas refeições regadas à amizade, nada mais divertido que a leitura do livro Comer é um sentimento, de François Simon, Editora Senac – São Paulo (2006).

(Ler a resenha de Cristiana Couto em http://basilico.uol.com.br/cultura/arte_lc_034.shtml)

E para beber, aconselho um vinho tinto leve, Pays de Loire ou Anjou, por exemplo, que são muito agradáveis ao paladar e têm certa acidez que combina harmoniosamente com prato.

Ingredientes

- 1 fatia de pernil suíno (de 1 kg a 1,2 kg)
- 4 batatas
- 1 alho-poró
- 1 cebola
- 7 dentes de alho
- 200 g de queijo gruyère ralado
- 100 g de nozes picadas
- 1 ½ xícara (chá) de vinho branco seco
- 2 colheres (sopa) de vinagre de vinho tinto
- pimenta-do-reino moída
- pimenta-branca em grãos
- páprica picante
- alecrim
- louro
- azeite de oliva
- sal
- água

Preparo

Na véspera, prepare uma marinada com o vinho branco seco, o vinagre, 2 dentes de alho picados, 1 folha de louro, 1 colher (sobremesa) de sal, a pimenta-do-reino moída e a páprica, e deixe nela a fatia de pernil por 12 horas, virando algumas vezes a carne para que se impregne de todos os ingredientes.

No dia seguinte, unte com azeite uma forma refratária com tampa ou coberta com papel alumínio e coloque nela a fatia de pernil e a marinada.

Acrescente 5 dentes de alho inteiros com casca* e a pimenta-branca em grão.

Deixe a carne cozinhar com tampa em fogo baixo (160º) por 1 hora, regando-a com a marinada a cada 10 min. Se faltar caldo, acrescente um pouco de água.

Enquanto isso, descasque e corte as batatas em cubos grossos.

Cozinhe os cubos de batata no vapor, o tempo suficiente para deixá-los cozidos mas firmes (al dente). Reserve.

Lave bem e separe a parte verde (folhas) e branca (talo) do alho-poró. Corte as folhas em julienne. Corte o talo em 4 pedaços de igual tamanho.

Passe os pedaços de talo do alho-poró no sal e na pimenta-do-reino e cozinhe-os no vapor até que fiquem tenros.

Retire a forma do forno, e espalhe a julienne de folhas de alho-poró de maneira que forme um leito em volta da carne.

Retome o cozimento da carne por mais 20 min sem tampa e na temperatura de 220º, para que a carne comece a dourar. Regue-a várias vezes para não ressecar.

Enquanto isso, passe delicadamente os cubos de batata em uma mistura de sal, pimenta-do-reino e alecrim.

Disponha os cubos de batata e os talos de alho-poró em volta da carne de maneira harmoniosa. Regue a carne e os legumes com um pouco de azeite de oliva. Retome o cozimento por mais 10 min.

Salpique por cima dos legumes o gruyère ralado e as nozes picadinhas.

Coloque de volta no forno, em temperatura alta, até gratinar.

Sirva com arroz branco.

* Ao cozinhar dentro da casca, o alho se torna cremoso e levemente adocicado. É uma verdadeira iguaria!

Coup de coeur ao Auditório Ibirapuera

2009-03-21T15:43:00.000-07:00

Além de se situar no coração do mais belo parque de São Paulo, o Auditório Ibirapuera é um lugar privilegiado para quem curte boa música e quer desfrutar de excelentes condições de acústica e de conforto.

Após ter sido alvo de inúmeras polêmicas e embargos judiciais que atrasaram sua construção por vários anos, o Auditório Ibirapuera foi finalmente inaugurado em 2005. Desenhado por Oscar Niemeyer, ele deveria ter integrado um projeto arquitetônico mais amplo, junto com a Oca e o edifício da Bienal, por meio de uma ampla praça pública e de uma marquise, que, até hoje, não foi totalmente completado.

O auditório tem uma característica única: um sistema de abertura atrás do palco que permite a um público externo assistir, a partir do gramado do parque, assista a apresentações ao ar livre.

A programação do auditório é variada, com apresentações de música clássica, brasileira ou jazz. O local recebe também artistas dentro da agenda de alguns festivais anuais.

O Instituto do auditório, por sua vez, além de administrar o auditório em si, tem um programa de incentivo à descoberta de novos talentos e abriga a Escola do Auditório que proporciona cursos de música e canto, como "Palhetas (saxofones e clarinetas, flautas, fagotes e oboés)", "Metais (trompas, trompetes e flugels, trombones, bombardinos e tubas)", "Técnica vocal", "Prática de Orquestra Brasileira", entre outros.

Todas as informações relativas à programação de concertos e à Escola se encontram no site http://www.auditorioibirapuera.com.br/, em que os visitantes podem se cadastrar para receber e-mails sobre os eventos.

Quem quiser ter mais detalhes sobre o projeto arquitetônico pode acessar http://www.arcoweb.com.br/arquitetura/oscar-niemeyer-auditorio-sao-22-02-2009.html

Enfim, uma curiosidade: o site do auditório disponibiliza um sistema on-line de monitoramento em tempo real da entrada e da platéia http://www.auditorioibirapuera.com.br/tempo_real.aspx

Sous le soleil exactement

2009-03-21T07:53:00.000-07:00

O 31º Festival de films de femmes, que se encerra neste final de semana em Créteil, perto de Paris, homenageou a atriz Anna Karina com a retrospectiva de alguns de seus filmes mais marcantes, entre os quais uns dos mais importantes do diretor Jean-Luc Godard, com quem ficou casada por seis anos, como O Pequeno Soldado (1960), Viver a vida (1962), Banda à parte (1964), e O Demônio das 11 horas (1965).

Nascida em Copenhagen, na Dinamarca, Hanne Karin Blarke Bayer ficou conhecida como Anna Karina (nome que lhe foi dado por ninguém menos que Coco Chanel) e tornou-se a musa da Nouvelle Vague, embora nunca tenha trabalhado com alguns dos mais famosos representantes desta corrente cinematográfica, como Truffaut, Demy ou ainda Chabrol. Chegou à França no fim dos anos 1950, na esperança de fazer carreira como modelo, e logo foi chamada para atuar em vários filmes, ainda que fosse menor de idade e não falasse quase nada de francês!

Embora seus trabalhos mais marcantes no cinema se situem principalmente nos anos 1960, Anna Karina nunca parou de atuar. Entre seus filmes mais conhecidos estão Cléo das 5 às 7 de Agnès Varda (1962), Alphaville de Godard (1965) e A religiosa de Jacques Rivette (1966), proibido na França na época por decisão de André Malraux, então ministro da Cultura, e Vivre ensemble (1972), que ela mesma dirigiu. Vale a pena também conhecer seu trabalho como cantora, principalmente pelas canções do filme musical Anna de Pierre Koralnik (1967), compostas por Serge Gainsbourg, e em que dividiu a tela com Jean-Claude Brialy, e pelo CD Une histoire d'amour (2000), produzido pelo compositor e cantor Philippe Katerine.

Para maiores detalhes, basta seguir o link do Festival http://www.filmsdefemmes.com/Anna-Karina.html
Quem quiser saber mais sobre esta atriz http://www.geocities.com/annakarinawebpage/
e os filmes disponíveis no Brasil podem ser encontrados na http://www.2001video.com.br/

Cantores de estimação

2009-03-19T14:16:00.000-07:00

Os Pet Shop Boys estão de volta com o novo CD simplesmente denominado Yes. Quem gosta desta banda não se decepcionará com a nova safra que, em vários aspectos, remete ao melhor da produção da dupla inglesa, com discos como Very, Actually ou Introspective. Entre as melhores faixas, a super dançante "More than a Dream", "Vulnerable", "Pandemonium", e "Beautiful People", além do excelente single "Love, etc". O CD deve ser lançando aqui em edição nacional, mas, como quase sempre no mercado musical brasileiro, não há previsão de comercialização da versão limitada que vem com 7 faixas adicionais. Também disponível para download a polêmica faixa "We're all Criminals Now", cuja letra, diretamente inspirada na morte de Jean Charles de Menezes pela polícia de Londres, denuncia a vigilância à qual estamos submetidos a todo instante e o fato de podermos ser considerados como culpados ou criminosos por simples livre arbítrio de quem representa a lei e a ordem.

E para quem curte mesmo a banda, vale a pena procurar o CD Story com vários remixes de faixas da carreira e que foi distribuído exclusivamente na Inglaterra este mês como brinde de um jornal dominical.

O novo CD, assim como o clipe do single estão disponíveis para escuta no site oficial da banda http://www.petshopboys.co.uk/

Existem também sites não oficiais como http://www.petshopboys-online.com/ ou ainda http://www.petshopboys.net/

Angels (are we?)

2009-03-18T18:19:00.001-07:00

Free wings sprout out from our shoulders
Just as bubbles sparkled
In our ears, our hair, our eyes
Dazzled by the overcoming spring
We raised our heads in deep peace
Looking to the pink shiny circle
We started our journey up slowly
With confidence and faithfulness
Until we reached the black sky
The smoke of burned flesh
The smell of soiled ground
The rotten jealousies
Then was the fall
We went straight to the down low
Sunk by the weight of our private jokes
Just as birds smashed up by fake liberty
Twisting down back into the drain
Of our veins, bloody Acheron
Ripping out the Holly grass
How much shall we know?
How much do we owe?
How far shall we go?
How long shall we bleed?
To get back the free wings
Shall we start all over again?
Is the rebirth another death?

Tajine à brasileira

2009-03-17T20:56:00.000-07:00

Tajine à brasileira
(para 6 pessoas)

Observações

Esta receita da África do Norte costuma ser preparada em uma panela de barro própria para tajine, composta de uma tigela grande e de uma tampa em forma de cone alto (ou chaminé). Nela, os ingredientes cozinham devagar, e a forma da tampa mantém o calor, além de deixar a comida suculenta.

Essas panelas podem ser encontradas hoje no Brasil, em lojas de louças importadas (costumam ser caras). Algumas não podem ir direto à chama de gás. Nesse caso, a panela deverá ser colocada sobre uma placa própria, ou então no forno. Na sua falta, a receita pode ser preparada numa panela comum, de preferência de barro, com tampa.

Ao colocar os ingredientes na panela, disponha-os cuidadosamente, sobrepondo-os, se necessário. Evite mexê-los muito. O ideal é ir acomodando todos com uma colher em cada mão, delicada e harmoniosamente, para que tenham uma boa apresentação à mesa.

A quantidade de água durante o cozimento é muito importante. Trata-se, de fato, de deixar os ingredientes macios e com certo caldo, mas não de preparar um ensopado!

A comida da África do Norte costuma ser bastante apimentada, e eles utilizam um pó (ou pasta) chamado harissa (originário da Tunísia), composto de pimenta-malagueta com alho e coentro ou cominho. Na falta dele, uma pimenta-malagueta serve perfeitamente. Entretanto, a pimenta é opcional.

Finalmente, resolvi dar um toque brasileiro, acrescentando legumes típicos daqui, como a batata-doce e o maxixe, que dão um sabor diferente e original ao prato. O limão conservado na salmoura dá um gosto especial ao prato, diferente do limão fresco.

O tajine costuma ser servido sozinho, mas pode ser acompanhado de sêmola cozida (ver receitas de cuscuz árabe) ou até de arroz. E para beber, aconselho um vinho rosé seco bem gelado, de preferência um Boulaouane Gris, do Marrocos, se encontrar aqui!

Ingredientes

- 1 pernil de cordeiro cortado em pedaços
- 6 coxinhas de asa de frango
- 3 tomates sem pele nem sementes
- 2 batatas-doces
- 600 g de maxixe
- 200 g de grão-de-bico
- ½ pimentão amarelo
- ½ pimentão vermelho
- 100 g de uva passa preta
- 1 limão-siciliano em salmoura
- 3 dentes de alho
- 2 cebolas
- harissa em pó ou pasta (ou 1 pimenta-malagueta macerada)
- páprica
- cominho
- canela em pó
- mostarda em grãos
- coentro em grãos
- ½ maço de coentro fresco
- hortelã desidratada
- salsa desidratada
- cebola desidratada
- alho em pó
- óleo
- azeite de oliva
- sal e pimenta-do-reino
- água

Preparo

Deixe o grão-de-bico de molho na véspera; retire a casca no dia seguinte e reserve.

Numa tigela misture, em proporções iguais, a cebola desidratada, o cominho e o alho em pó, a páprica e a canela, o coentro e a mostarda em grãos, a hortelã e a salsa desidratadas, de forma a obter aproximadamente uma colher de sopa de temperos.

Ferva os tomates em água para retirar a pele.
Numa frigideira, doure no óleo os pedaços de cordeiro e de frango e reserve.

Descasque e pique as cebolas e o alho.

Pique a pimenta-malagueta.

Corte grosseiramente os tomates em pedaços e retire as sementes.

Descasque e corte as batatas-doces em cubos.

Corte os maxixes em dois.

Corte os pimentões em rodelas finas.

Corte o limão-siciliano em 8 pedaços com a casca (4 gomos cortados em dois).

Na panela para tajine, refogue com o azeite, em fogo brando, a cebola e o alho picadinho (e a pimenta-malagueta).

Acrescente os tomates, os cubos de batata-doce e os pedaços de cordeiro e de frango.

Coloque sal e pimenta-do-reino a gosto.

Acrescente a mistura de temperos (e ½ colher de chá de harissa).

Junte o grão-de-bico, os maxixes e o limão-siciliano.

Acrescente a água e mexa devagar com uma colher, de forma que todos os ingredientes e temperos fiquem molhados.

Tampe e deixar cozinhar em fogo brando por uma hora, verificando de vez em quando o cozimento para que não resseque nem grude no fundo. Acrescente água aos poucos, se necessário.

Junte as uvas passas, cubra com as fatias de pimentão e deixe cozinhar por mais 30 min.

Na hora de servir, acrescente as folhas frescas de coentro.

Salut l'artiste!

2009-03-17T20:05:00.001-07:00

Alain Bashung 1947 - 2009

Durante três décadas, este cantor rebelde e irreverente marcou a música francesa com sua inigualável presença. Troubadour, chansonnier, na linha direta de Serge Gainsbourg e de Léo Ferré, Bashung conseguiu uma rara simbiose entre Rimbaud e Bob Dylan, poesia e rock, ousadia e ternura.

O poeta se foi, mas restam os discos, preciosos, irradiantes, como o último opus, Bleu pétrole, que acabou de ser consagrado nas Victoires de la Musique, maior premiação musical da França, em que recebeu três prêmios, entre os quais melhor cantor e melhor disco.

Para quem quiser visitar ou descobrir o universo deste grande artista, nada melhor que o seu site oficial http://alainbashung.artistes.universalmusic.fr/ e o seguinte site de fan http://bashung.ifrance.com/

A divina comédia - Yes, we have no bananas!

2009-03-11T17:21:00.000-07:00

O Brasil é um dos países mais rigorosos no que diz respeito às leis trabalhistas. Mas este rigor, mesmo que pareça ser a última muralha erguida na defesa dos direitos dos trabalhadores, na verdade também é fruto de um atraso legislativo que faz com que as regras e normas não estejam em sintonia com a realidade do mercado atual.

Uma das maiores críticas às regras impostas pela C.L.T. diz respeito à execução e computação das horas extras. Obviamente, não pretendo criticar o fato do legislador querer normalizar as condições de execução do trabalho além das horas normais de expediente, mas há de convir que as limitações impostas pela Consolidação das Leis do Trabalho são frequentemente obsoletas diante da realidade mercantil.

Outrossim, vem à tona a questão da autonomia da vontade das partes (empregador, empregado), o caráter sinalagmático do contrato, o equilíbrio entre as partes, etc.; Esses assuntos poderiam ser (e são) tema de inúmeras matérias.

Pois bem, o Senado brasileiro acabou de resolver esta espinhosa questão ao pagar cerca de R$ 6,2 milhões em horas extras para aproximadamente 3.800 funcionários em janeiro deste ano, embora neste mesmo mês a casa estivesse em recesso e não houve sessões, nem atividade parlamentar.

E ninguém nas instâncias mais importantes desta digna Casa parece saber exatamente o que aconteceu, como explicar este fato e o que fazer.

Ou seja, a C.L.T, suas qualidades e seus defeitos acabaram de ser varridos para baixo do tapete, mandados para o ralo pela mais importante instituição constitucional brasileira, sem mais nem menos.

Diante desta situação, vejo apenas 3 alternativas:

1) Trata-se de um cala-boca para todos os catedráticos perdidos em debates doutrinais sobre a evolução do direito, para todos os juízes trabalhistas que cotidianamente têm de conduzir a orquestração dissonante de suas varas sobrecarregadas.

2) Trata-se (também e sobretudo) de uma provocação a todos os funcionários que estão sentindo na pele os efeitos da crise, e aos 4.200 demitidos da Embraer que brigam na justiça para tentar reaver seu emprego.

3) Ou se trata simplesmente de mais um rebolado tropicalista dos eleitos do povo, mais um evento dentro das comemoração do centenário do nascimento de Carmen Miranda. Algo repentinamente comentado e logo esquecido num país em que a memória se apaga à medida que se forma.

I love Paris

2009-03-11T16:14:00.000-07:00

Every time I look down on this timeless town whether blue or gray be her skies.

Whether loud be her cheers or soft be her tears, more and more do I realize:

I love Paris in the springtime.

I love Paris in the fall.

I love Paris in the winter when it drizzles,

I love Paris in the summer when it sizzles....

Coup de coeur à Sue Raney

2009-03-11T15:34:00.000-07:00

Descobri esta fantástica cantora por meio de uma coletânea publicada na década de 1980 na coleção de CDs Gitane Jazz.

Dona de um timbre perfeito e de uma grande musicalidade, Sue Raney tem um talento excepcional, embora ela não seja tão conhecida do grande público quanto outras cantoras de sua geração. Talvez por ter dedicado mais tempo à carreira de professora de canto do que à de cantora, seja em disco ou ao vivo, ela restringiu muito a divulgação de seu trabalho. Nascida em 1940, in McPherson, Kansas, começou sua carreira no rádio antes de gravar seus primeiros discos pelo selo Capitol no fim dos anos 1950. Sua discografia contém pérolas como When your lover has gone (1959), Songs for a Raney day (1960), All by myself (1964), Ridin' high (1980) ou ainda o maravilhoso Autumn in the air (1998). Recentemente, ela gravou uma homenagem à Doris Day, Heart's desire (2007).

Para quem quiser mais informações sobre Sue Raney, nada melhor que o site oficial da cantora: http://sueraney.com/

Recomendo também o seguinte tributo: http://video.google.com/videoplay?docid=-8505293316249968844

O filho da mãe

2009-03-11T15:06:00.000-07:00

Bernardo Carvalho acaba de publicar seu novo romance intitulado O filho da mãe (Editora Companhia das Letras) e que é também o segundo volume da coleção "Amores Expressos". Descobri Carvalho com o penúltimo romance, O sol se põe em São Paulo, do qual gostei muito. Para quem presa de boa leitura, de histórias comoventes e muito bem escritas, recomendo a descoberta deste autor.

Bernardo Carvalho nasceu em 1960, no Rio de Janeiro e é escritor, jornalista e tradutor (fez, alías, uma ótima tradução do romance Na praia de Ian McEwan).

Para quem estiver interessado, recomendo assistir a entrevista do autor no seguinte site: http://bibliotecariodebabel.com/literatura-brasileira/filho-da-mae-de-bernardo-carvalho-booktrailer/